Martina Morger Ausstellung Galerie Hollabolla Eschen, Liechtenstein, Vernissagerede Nov. 2016

Martina Morger
Vernissagerede 6. Nov. 2016

"Think of Yourself as a Machine"

Ich könnte lange über Martina Morger und ihre Kunst erzählen, denn sie ist schon eine sehr interessante und komplexe Künstlerin. Eine angehende Künstlerin, aber bereits mit einer unglaublichen Vielschichtigkeit. Es freut mich, dass sie hier schon ausgereifte Arbeiten zeigen kann.

Ich kenne Martina erst seit 3 Jahren. Sie war im Vorkurs der Kunstschule Liechtenstein, wo ich ihr Kunstgeschichte beigebracht habe. Wir haben uns sofort verbunden, "bonded" gefühlt. Wir haben sehr ähnliche Vorgehensweisen zu Leben und zu Lernen; wir sind sogenannte "shotgun intellectuals", "Schrottflinte Intellektuelle", geistig breite Interessen habende Mischlinge. Ich betrachte sie gern als geistige und ästhetische Tochter!

Martina sagte mir schon ein paar Mal, dass ich an ihrer Multimedialität mindesten teilweise "Schuld" habe. Das freut mich sehr! Als ich vor kurzem mit ihr über diese Ausstellung gesprochen habe, hat sie mir erzählt, dass sie gerne mehre Leben hätte, um auch Astrophysik zu studieren. Amüsanterweise, hatte ich kurz vorher zu meiner Frau bemerkt, dass ich wünschte genügend Zeit im Leben dafür zu haben, auch ein Archäologe und ein Physiker zu werden! Klein Martina wollte auch Archäologin werden. Moll moll, Künstlerin Morger und ich sind verwandt.

Martina hat schon ein ereignisreiches Leben, und ich bin sicher, sie wird so weitermachen und während ihres ganzen Lebens expandieren und wachsen.

Martina Morger bekam ihr erstes Diplom von der Universität Zürich in 2010 in Publizistik und Kommunikations-Wissenschaft (übrigens meine Doktor-Alma Mater Schule). Aber DANN geschah etwas Spannendes! Sie ist nach Kapstadt in Südafrika gereist, um in Publizistik zu arbeiten und neue Erlebnisse zu sammeln. Dort angekommen, engagiert sie sich in Fotografie und Tanz, insbesondere African Modern Dance, in Performance. Folglich, mit 22 Jahren, entschloss sie sich, Künstlerin zu werden! And she has succeeded!

Ihre erste Ausstellung war in 2012. Zurzeit setzt sie ihre Studien an der ZHdK in Mediale Künste fort. Martina konzentriert sich da an Inter- und Multimedialen-Arbeit: Performative Malerei und Sound-Installationen. Ziemlich aufregend!

Ihre Kombinationen liegen mir sehr am Herzen --- und am Herzen der Zeit. Ich und mehrere Kunstkollegin und -Kolleginnen machen Kunstwerke, die ich "Mongrel Art" nenne. Morger auch!

"Mongrel" ist ein Wortspiel; es ist Englisch für "Strassen-Mischlingshund" --- ein Bastard. Wir sind gegen Purismus, finden es moralisch und politisch fragwürdig --- zu viel Inzucht in der Kunst. Über Grenzen schreiten, Lücken schliessen, Kreuzen.

Ich bin vor allem für Kreuzungen zwischen Installation, sequenzieller Malerei, Schriftmalerei, bekannt --- die mitunter sogar Vorträge als Performances beinhalten, der "Dr. Great Art" Projekt.

In ähnlicher Weise, aber ganz selbstständig, macht Martina reizvolle Kreuzungen zwischen Malerei, Installation, Computer/Digitale Kunst, Tanz und Performance. Lassen Sie mich eine kurze, oberflächliche Erläuterung ihres Prozesses in diesen Werken jetzt präsentieren:

Morger hat etwas wie ein Rezept erfunden oder besser gesagt, eine neue Form des Notenblatts geschaffen. Ihr Vokabular besteht aus 100 verschiedenen Instruktionen. Sie nahm diese mit einem Tongerät auf, und gibt sie in ein Computerprogramm ein. Da gestaltete sie einen "Flow Chart", ein Ablaufdiagramm von möglichen Aktionen --- kurz einen Algorithmus.

Dieser Algorithmus randomisiert die Sound-Befehle und spielt diese in kleineren Sets von 20, 40 oder 60 Minuten ab. Martina folgte dann ihren eigenen Anweisungen. Sie malte in Schwarz, Weiss, Gelb, Grau, und Blau und wie befohlen. Auf Leinwänden, wie man hier sieht, aber auch auf sehr sehr grossen, ungespannten Leinwandstücken, welche sie später zuschnitt und aufspannte.

Typisch für diese Künstlerin, die Werke sind hoch-intellektuell, aber gleichzeitig auffallend körperbetont. In der Tat, Martina zeigt die potentielle Einheitlichkeit dieser zwei Aspekte in gut-gelebter Erfahrung auf. Eine gute und äusserst erfreuliche Metapher innerhalb ihres Prozesses selbst.

Die Ausstellung heisst "Think of Yourself as a Machine", ('Stelle dir dich als Maschine vor.')

Aber wie John Cage, der auch solche generative Verfahren brauchte, feststellte: Martina Morgers Technik ist in einer Dialektik drin und sucht kreative Kombinationen mit Humanismus und breiter sozio-politischer und mechanistischer Realität.

Darüber hinaus, Martinas Kunst suggeriert andere bedeutende Tropen: Grenzen zu missachten ist ein sehr bedeutungsschweres, politisches und soziales Simile --- über den formalen Gebrauch hinaus.

Aber nicht vergessen! Dies sind auch sehr visuelle, schöne Gemälde!

--- Dr Mark Staff Brandl

Dr Great Art Podcast Episode 2: "Art Mottos, Modernism and PoMo" and PoPoMo

My second, newest, Dr Great Art podcast is now up and ready to be listened to! "Art Mottos, Modernism and PoMo" and PoPoMo. 6 minutes. Fun art history facts and commentary.
http://drgreatart.libsyn.com/episode-2-art-mottos-modernism-and-pomo
http://drgreatart.libsyn.com/
or on iTunes podcast app store,
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Here is the script (NOT a transcript as I change elements when recording).

Dr Great Art Podcast Two

"Art Mottos, Modernism and PoMo"

Hi this is Mark Staff Brandl, with the second "Dr (Great) Art" brief podcast. I hope you enjoy it and come back for each and every one.
Today we have a short Artecdote about mottos, titled "Art Mottos, Modernism and PoMo."

Mottos are, of course, pithy little phrases meant to summarize the general, overriding idea of an individual, social group or organization, art movement etc --- including in our case today whole art periods. They are, then, of course, superficial, yet can be quite perceptive.

'motto' is derived from the Latin muttum, 'mutter', by way of Italian motto, meaning 'word', 'sentence'.

In the Middle Ages and heraldry, they are also known as "rallying cries."

One of the most famous, which borders on a maxim is " Where there’s a will, there’s a way." Also a heraldic Motto is " Aim high."

In art, the Renaissance could be summed up as "Go back to the Antique to go forward, that's rebirth."

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What I want to mention today is perhaps the most famous art motto of all time:

The slogan of Modernism was Ezra Pound's "Make it new. "

This itself was at least partially the product of historical recycling. But that is a topic for another discussion.

Make it new. A wonderful idea. The most durably useful of all modernist expressions of the value of novelty. It helps define ModernISM and cleared away a lot of the awkward, mannerist copying of Academicism.

'Make It New' became a model of change, of renaissance and renewal. It brought us revolutionary techniques, composition and thought. No demonstrations of boring old academic ideas in stolen Raphael clothing, no endless kings, history, mythological or religious pantomimes.

And YET! "Make it New!" became old. Even new was no longer new. The endless striving for newness in many artists became mere production of Novelties in the worst sense.

In the sense that 'Novelty' can mean a range of small manufactured goods, such as useless, trendy collectables, gadgets and executive toys.

Rather than making "Make it New" New again, many Postmodernists decided to use the fact of lack of newness as an element of meaning. Highly creative, however cynical. Yet unfortunately, many also hypocritically demand that their lack of newness be heralded as something great and new. It becomes all about the marketing of the illusion of newness. The illusion of intellectuality. Verbose justifications for lack of creativity. Not really being smart, but rather being cunny, crafty, clever. Careerist Sophistry.

Thus I assert that the unspoken slogan of Postmodernism is "Make it clever."

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In a related summation, art historian Andrei Molotiu says that Modernism is Self-Reflexivity, Postmodernism Self-Referentiality. But that should be discussed on its own in a future podcast!

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How do we get beyond this, Postmodernist "Make it clever" as it is clearly only an academicist and mannerist ploy in a weak, transitional period?

I suggest a new slogan for reaching beyond Postmodernism: "Make it yours, make it matter."

Do not be conformed to the easy consensuses of this artworld, culture or time, but be transformed by the renewal of your mind.

You have to "pay your dues to sing the blues," but what you have paid for is yours.

And if Postmodernism is jokingly called PoMo by artists, this is for Post-Postmodernism, whatever that will turn out to be. PoPoMo.

"Make it yours, make it matter."

Thanks for listening. That was "Dr (Great) Art" podcast number 2. If you wish to hear more cool, exciting and hopefully inspiring stuff about art history and art, come back for more. Also I, Dr Mark Staff Brandl, artist and art historian, am available for live custom Performance-Lectures. In English und auf Deutsch.

I take viewers inside visual art and art history. Entertainingly, yet educationally and aesthetically, I analyze, underline, and discuss the reasons why a work of art is remarkable, or I go through entire eras, or indeed through the entirety of art history. The lectures often take place with painted background screens and even in my painting-installations.

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Dr Great Art Podcast Episode 1: "Illegal to Teach Women Art"

Dr Great Art, the Podcast is up and running! You can get it at http://drgreatart.libsyn.com/rss or http://drgreatart.libsyn.com/
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all for free!
The first episode is "Illegal to Teach Women Art." There were of course female artist at all times. Most simply have been ignored, or even later removed from mainstream art history. Worst of all, for most of history in the West and the East, it was illegal to instruct or train women to become professional artists at all! Come listen to short (5 min.) fun and educational art history artecdotes by Mark Staff Brandl.

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Her is the script (NOT a transcript, as I change elements when recording.)

Dr Great Art Podcast One

"Illegal to Teach Women Art"

Hi this is Mark Staff Brandl, with the first "Dr (Great) Art" brief podcast. I hope you enjoy it and come back for each and every one.

Today we have a short Artecdote. Titled "It was Illegal to Teach Women Art"

There were of course female artist at all times. Most simply have been ignored, or even later removed from mainstream art history. More and more of their stories are being unveiled and recounted.

It was, nevertheless immensely difficult for a female artist until, and I would suggest even including, contemporary times. (Look at the justified criticisms of the artworld from the Guerrilla Girls.) Worst of all, for most of history in the West and the East, it was illegal to instruct or train women to become professional artists. Most women got little schooling at all. Yes, daughters of rich or powerful people could be trained in a little gentile flower-painting or the like, but nothing serious --- nor especially professional --- was allowed.

And even IF women later than the Baroque were allowed to learn a wee bit about art, they were officially fenced-in as to WHAT they could learn --- it was not until the 19th century that female artists were permitted to study figure drawing from live subjects at all!

In short, it was ILLEGAL to teach women to become artists, from at least the Middle Ages through to the beginning of Modern times. It was a punishable offence!

In particular, in two of the greatest European art historical eras, the Renaissance and the Baroque, when Humanism and individualism were being born, it was largely not for women.

When, in 1550, Giorgio Vasari published the first edition of his Le vite de più eccellenti architetti, pittori, et scultori ... (Lives of the Most Excellent Architects, Painters, and Sculptors ... ), the first real art history text, he included only one woman. He later includes four, incl. sculptor Properzia de' Rossi. Perhaps most known at that time was Sofonisba Anguissola, who Michelangelo noted as being talented.

Women artists were still regarded then as "abnormal," even "monsters of nature." Second, most male artists came from the artisan, working class (as indeed in our time until about the mid 80s). Children of wealthy or aristocratic families did not learn to be artists, even the men,  because the manual aspects of art production were considered beneath their dignity. Classism and sexism make good partners it seems.

Sometimes it was possible to a small degree to learn art if a woman was in a convent, or some women learned how to paint from their rather "cool," law-defying fathers. Several notable female artists began their careers this way, including, Artemisia Gentileschi (about whom I will go into in a future podcast) and Marietta Robusti (called, La Tintoretta, Tintoretto’s daughter).

In recent years, under the influence of Feminism, art historians have been dedicated to finding the details of these talented women, finding their works and bringing them back into broad art historical knowledge. This is exciting and we must continue --- as well as continue fighting against sexism (and for that matter racism, classism and ageism) in the artworld today.

Thanks for listening. That was "Dr (Great) Art" podcast number 1. If you wish to hear more cool, exciting and hopefully inspiring stuff about art history and art, come back for more. Also I, Dr Mark Staff Brandl, artist and art historian, am available for live custom Performance-Lectures.

I take viewers inside visual art and art history. Entertainingly, yet educationally and aesthetically, I analyze, underline, and discuss the reasons why a work of art is remarkable, or I go through entire eras, or indeed through the entirety of art history. The lectures often take place with painted background screens and even in my painting-installations.

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Peter Biedermann, Liechtenstein, Vernissage-Rede, Okt. 2016

Peter Biedermann, Bubu, "A Visual Music of Quiet Surprises"
Stein Egerta, Liechtenstein

Ich heisse alle recht herzlich willkommen zu der Ausstellung "Striped Patterns" von Peter Biedermann.

Ich habe Peter im Jahr 2008, also 8 Jahren, kennengelernt. Seit der Gründung der Kunstschule besucht er den Kurs "Malerei für Erfahrene" und 7 Jahre davon war er bei mir im Kurs.

Was für einen Kurs war es mit mir?

"Finde deinen eigenen Stil“ lautet das Motto der Malklasse für bereits fortgeschrittene und erfahrene Kursteilnehmer. Wer seine Maltechnik schon recht gut beherrscht, wie Peter, und auf der Suche nach seinem individuellen Ausdruck, seiner persönlichen Bildsprache ist, war hier genau richtig. In beratenden und unterstützenden Gesprächen mit mir könnten Probleme bei Bildaufbau und Anwendung von Techniken gelöst und neue Ansätze gewonnen werden. Das Reflektieren über die eigene Arbeit unterstützt den Prozess der Einordnung von malerischer Qualität und inhaltlicher Aussage. Dabei entwickelt sich ein Prozess des Lernens und der kritischen Sicht auf das eigene Werk. Unterstützt wurde diese Arbeit durch technische Hilfe bei der Aneignung traditioneller und gegenwärtiger Techniken, wie Öl und Acrylmalerei, sowie durch Einblicke in die Kunstgeschichte und die Auseinandersetzung mit der aktuellen Kunst.

Deswegen, war Peter mehr als Student, eher Mit-Forscher!

Wir haben eine Überschneidung im Leben dazu: beide von uns haben ein aktives Interesse an der Insel Tortola, der Britischen Jungferninseln in der Karibik, wo ich und meine Frau gewohnt haben. Bomba Shack!

Ich war, also, Peters "Kunstberater" für jene Jahre, --- eher als Lehrer.

In Wahrheit, hat er mich kaum nötig. Er hat längst seinen eigenen Weg, gefunden; seinen eigenen Stil. Eine Herangehensweise, die ständig ändert und weiterentwickelt, aber er bleibt sich selbst trotzdem treu.

Geboren in 1960 in Vaduz, Peter ist echter Liechtensteiner. Er begann das Studium der Malerei ernsthaft in 1986, 1995 mit Bruno Kaufmann an der von ihm gegründeten Kunstschule Liechtenstein, wo Peter seit dann weiter gelernt hast, wie gesagt, 7 Jahren mit mir, früher u.a. mit Gert Gschwendtner, und zurzeit mit Martin Wohlwend.

Peter probierte in den vergangenen Jahren mehrere Maltechniken, Motive und Kompositionsformen aus, bis er an seinem eigenen Schwerpunkt gefunden hat: eine sehr persönliche Art der Abstraktion.

Er erwähnt Mark Rothko als ein künstlerischer Einfluss. Man kann auch leichte Spuren von Hans Arp oder Gegenwartsmaler wie David Row sehen.

Peter war immer eine Kombination von Kopf und Händen --- nicht nur in der Kunst. Wie er sagt, "Ich mache gerne etwas mit den Händen. Zuhause repariere ich alles Mögliche und bin ein Allrounder. Mir gibt die Malerei einen guten Ausgleich zu meiner kopflastigen Arbeit als Wirtschaftsinformatiker. Ich kann beim Malen ganz bei mir sein, alles andere ist dann Nebensache."

Peter schaffte Serien von Acryl-auf-Leinwand Gemälden. Meistens in Rot, Schwarz, und Weiss, aber gelegentlich experimentiert er mit Grün und anderen Farben. Sein haptischer Farbauftrag variiert sich: inkl. u.a. visuell erkennbaren Pinselstriche, Strichen mit vollem Pinsel aufgetragen, Farbe mit Tuschfeder aufgetragen, Farbe mit dem Handroller bemalt, usw. Jede Serie hat eine innere Einheit und einen Rhythmus. Und jedes Bild aus einer Gruppe beinhaltet mehrere leichte Unterscheidungen, Überraschungen, welche das Ganze erquicken. Es lohnt sich, nach Diesen zu suchen --- die erfordern aber konzentriertes Anschauen.

Peter, nennt sich Bubu – das ist sein Pfadi-Nickname. Ich nenne ihn nicht so, weil ich in Gedanken seine Motive, die "Images" in seiner Arbeiten so nenne: in meinem Gehirn, die "Xs", "squiggles", Schlieren, organische und geometrische Formen Formen sind 'die Bubus'.

Was ich allerdings in Peters Kunstwerken sehr schätze, ist dass die Serien nach gruppieren verlangen --- wie viele hier aufgehängt wurden --- die sind sehr installativ in Gefühle. Peters Kunst suggeriert kleinere Abweichungen als Bereicherung zu Gruppen-Einklang.

Dieser (am Anfang erscheinend) stille, bescheidene Mann, ist sehr fokusiert und selbstbewusst, mit einer trockenen-humorvollen Lebenseinstellung, und ein leises Lächeln, das auftritt, wenn man ihn besser kennenlernt. Er ist schon "authentisch", eines seiner selbst-ernannten, wichtigsten Ziele.

Peter sagt, "Die Schönheit der Dinge lebt in der Seele dessen der sie betrachtet." Das beschreibt und beinhaltet den Künstler selbst, aber auch uns, Kunstbetrachter und Betrachterinnen.

Die Gemälde hier sind einige sehr trocken und deskriptiv betitelt. Wie die Ausstellung selbst: "Striped Patterns", "Streifenmuster". Lassen Sie sich davon nicht täuschen. Es gibt viele sanfte Poesie innerhalb der Werken. Meiner Meinung nach, eine musikalische Lyrik: rhythmisch, Einheit in der Vielfalt und der Vielfalt in der Einheit. Also nenne ich Peter Biedermanns Kunst "A Visual Music of Quiet Surprises", "eine Musik voller ruhigen Überraschungen".

Danke. Geniessen Sie die Ausstellung!

Dr. Mark Staff Brandl, Oktober 2016

African Art Course

African Art. A Zip of a whole class in African Art. I have spent two years reading, watching educ videos, listening to podcast, and searching out these images etc because there are hardly any "general overview" books. Please download it, use it and get back to me. let's build a decent survey class on African art together!

Full Link URL for Zip file: https://drive.google.com/file/d/0BxratuIoUDtWZnhVMVA1ZTc1eG8/view?usp=sharing 

Alternate link for zip download as Google keeps changing access: https://www.markstaffbrandl.com/african_art_history.zip

Mark Staff Brandlin der Remise Weinfelden, Tagblatt

Mark Staff Brandl Dr (Great) Art in der Remise Weinfelden, St. Galler Tagblatt 17. August, 2016,  "Ein Holzhaus für ein Buch", von Dieter Langhart.