What Representation Represents

This is an article I wrote long ago, Spring 1988, for the publication Chicago / Art / Write, for editor L.J. Douglas, (founding editors William Conger, Richard Loving and Frank Piatek). I just rediscovered it and as it has never been online, and I found it still pertinent to my thoughts and to art now, I thought I would upload it.

A photo of me in front of one of my paintings from several painting-installations at that time, 1988.



WHAT REPRESENTATION REPRESENTS

What constitutes representation, or rather what constitutes representation in a work of art? Discussions of this usually begin with the tale of the ancient Greek painter able to create a work so convincing that birds would attempt to eat the depicted grapes, and include a discourse on the original Greek word mimesis, linking it to imitation. Because our terms for representation commonly stem from this, we can be led into certain areas of thought. But none of the available translations are fully accurate, so I shall bypass this rather than be bogged down by obtuse argument.

There are arts that embrace representation and those that do not. The intrinsically representational arts are literature (including poetry, prose, and drama), the visual arts (including painting, sculpture, photography, and film), and, of course, other arts close to or between these areas, such as performance, comics mixed media, and intermedia. That favorite metaphor for abstract painters, music, is an example of an art which resists representation. For obvious reasons I am not discussing this last category and, owing to personal predilection, I want to discuss only the visual half of the former.

The representational nature of visual art is one of its most important, fruitful, and intriguing elements — yet for very particular reasons. It is amusing that we always speak as if illusion were truly possible in art. An argument can be made that this deception never genuinely occurs. We never mistake art for reality. The disinterestedness of the aesthetic attitude, as philosophers say, disallows this. To aesthetically perceive anything is in fact not to be "fooled" by pretence. We neither bump our noses trying to walk into Richard Estes paintings, nor rush about attempting to save the victim of a Hitchcock movie from harm.

The viewer is not over-distanced, of course: I might get tears at a tragedy, and frequently an excellent painting sends chills of excitement up my spine. Response to a work of art is in fact multilayered and complex. Art demands a synchronous, contrary, almost oscillating attention. I view a work both entranced and consciously considering the skill of the image or artifice. As an example, trompe 1'oeil, "fool-the-eye" painting, is ironically the opposite of its supposed intent. Our whole attention is riveted by the accomplishment of the artifice, which gives us the thrill. It in no way deceives us. If trompe 1'oeil wished to trick us the only successful pieces would be counterfeit bills. There is always the danger that simple emotional escapism can preclude moral involvement and analysis of larger context; Bertolt Brecht shared this concern, as is evidenced in his attacks on theatrical illusion.

What makes an image a representation of something? How is it a "picture?" Just because the artist intended — or we presume that he/she did — a work to be a representation of something, is it? Because the artist looked at a tree while in the act of painting is that why the .piece then bears the image of a tree? If I notice that a picture reminds me visually of a human's face, is it a portrait? These points may be of interest in the process of the artist, but it is obviously untrue to ascribe to any essence, or interest, of representation itself. Furthermore, I am not talking about "figurative" art, genre, or simple naturalism. Representation must go beyond that; we must consider the inclusion of history, meaning, as well as our abilities and inabilities to recognize it.

There is a famous scientific anecdote of chimpanzees able to recognize photos of themselves, yet certain humans who had never previously seen photographs were unable to do so. Even so-called primitive or traditional societies have highly sophisticated systems of representation that filter their vision. The convoluted modern "naive" theory is that if an image somehow resembles a photograph of a certain object —  discounting certain aspects of photographic vision (such as out-of-focus) — then it is a representation of that object. This points, through its obvious illogicality, elsewhere. The point is that representation is largely a matter of social convention. As symbol shades into "picture" and is culturally dependent, I can only see representation fully realized and most pregnant with meaning, as concretized belief. By this I mean ideology, although-I hesitate to use this-current buzzword, or more accurately Weltanschauung ("world-looking-at," "philosophy-of-life") and Weltbild ("world-picture"). Flippantly, I might say that representation represents itself. This is not circular like a formal tautology, such as "what you see is what you get." A picture of the world, or some .element of it, is a rich evocative arena. A picture is open to critical interpretation and bears the weight of previous and current assumptions concerning the uses (and misuses) of similar images. Because of this we only see through conceptual skrims. Our knowledge of an image is a knowledge of the conditions inherent in that image. For instance, representation from the past reveals to a greater or lesser extent the superstructure of the society that produced it, which is of course related to other elements such as but not limited to the economic base. It also reflects, whether intentionally or not, the mores and values of the people and  society out of which it arose.

Jan Van Eyck's painting fully depicts both the religiosity of his time and -the rising antimedieval materialism that was to eclipse it. Oscar Schlemmer's work proffers his period's hope for a grander future, yet also portrays the dehumanization it wrought. It is credible to postulate that much of our understanding of visual art is through its ability to give direct expression to the sense of shared humanity. But the strongest works are those that sustain the most complex responses, like life. Therein lies the presence and vigor of representation: Works of art can be made for interpretation, cognizant of their status, associations, and cultural situation. Artists have the ability to wield considerable power through their manipulation of the multiplicity of references, technical aspects, emotions, and intellectual assertions of representation to delineate the truth of our experience.

MARK STAFF BRANDL, artist and art historian, formerly of Chicago, The Field Museum of Natural History; now living in Switzerland

 

St. Galler Tagblatt Artikel zur Ausstellung "The 'Hood in miim Chopf" von Mark Staff Brandl

Alex Meszmer, Laudatio Brandl "The 'Hood in miim Chopf" 23 April 2015

Vernissagerede von Alex Meszmer

Mark Staff Brandl - The Hood in miim Chopf

Vadianbank, St Gallen

Sehr geehrte Damen und Herren,

Genau an den Tag kann ich mich nicht mehr erinnern, an dem Mark und ich Nachbarn wurden. Aber es war im Herbst 2001 und wir waren beide Kunstlehrer am Institut auf dem Rosenberg. Wir teilten das Klassenzimmer und bei jeder Begegnung redeten wir über Kunst, die Kunstwelt, die Kunstgeschichte. Wir ärgerten gegenseitig unsere Schüler, indem wir ihnen über ihre Werke jeweils das Gegenteil erzählten… wenn solche Gespräche stattfinden, beginnt eine Nachbarschaft, das war der Anfang von unserer ‘Hood’.

The Hood – das hat auch etwas von Horde, der Stammeshorde, dem Zusammenschluss einer Gruppe in frühgeschichtlicher Zeit, die angeblich etwa 80 bis 120 Mitglieder umfasste und mir wurde schon desöfteren die These zugetragen, dass die Horde als attavistischer Mechanismus bis heute in uns weiterwirke. So sollen auch unsere Adressbücher im Schnitt etwa 80 bis 120 Kontakte enthalten, mit denen wir dauernd im direkten Austausch stehen und so angeblich die menschlichen Kapazitäten für den direkten Kontakt bestimmt werden.

The Hood – die Nachbarschaft – können wir uns nicht wirklich aussuchen. Das sind nicht nur Freunde, obwohl aus Hoodies auch Freunde werden können. Es ist die Schicksalsgemeinschaft, die uns umgibt. Das ist die nächste Umgebung, die mit einer Tasse Zucker oder Salz, etwas Kaffee oder mal einer Schaufel aushelfen kann. Sie kennen das, nehme ich einmal an. The Hood ist das kleine Dorf, das uns umgibt, egal ob wir in einer Megacity oder auf dem Lande wohnen – auch in Berlin, Zürich, New York, London gibt es The Hood. Es ist der Radius in dem ich mich bewege. Das kann Kreuzberg sein, Kreis 4, Chelsea oder das Eastend. Eigentlich leben wir immer in einem Dorf.

Die Umgebung – the area – ist der Ausgangspunkt für The Hood in miim Chopf. Mark Staff Brandl begann die Menschen in seiner unmittelbaren Umgebung zu porträtieren. Aber es sind nicht nur Porträts. In der Manier der Renaissance und Barock Maler wählte er zu jedem Porträtierten einen Gegenstand oder liess ihn auswählen, der charakteristisch für die Person oder die Personen ist. So wird jedes Werk zum Diptichon und jedes Porträt erhält ein Bild mit einem Attribut und erweitert das Abbild der Person mit einer Geschichte.

Attribute kennzeichnen in der Malerei die Dargestellten. Die griechisch-römischen Götter, die Protagonisten aus der Bibel, die Heiligen – sie alle haben Attribute, durch die wir die Personen, die Bilder und damit die auf dem Bild erzählten Geschichten entschlüsseln können: eine Muschel auf dem Meer, Perlen und die Dame ist nackt – das muss die Geburt der Venus/Aphrodite sein; oder ein halbnackter Mann, an einen Baum gefesselt und von Pfeilen durchbohrt – das ist der heilige Sebastian während seines Martyriums.

Attribute findet man auch in der profanen Porträtmalerei und das Spannende dabei ist: die Namen und die individuellen Lebensumstände eines oder einer Porträtierten aus der Renaissance wissen wir vielleicht nicht mehr. Aus der Kleidung und den Attributen können wir jedoch Rückschlüsse ziehen auf den Beruf, den Stand und die Eigenschaften, die vom Maler hervorgehoben werden sollten:

der tugendhafte Kaufmann, die vornehme Dame usw.

Mit der Zeit ändern sich die Wirklichkeiten der Bilder.

Wie entschlüsseln wir aber die 44 Attribute dieser 44 Bilder?

Um Ihnen ein Beispiel zu geben, entschlüssele ich Ihnen, was es mit unserem Porträt und unserem Attribut auf sich hat:

So wie Mark Staff Brandl in Trogen, in der Nachbarschaft von St Gallen lebt, leben wir – mein Partner Reto Müller und ich – in Pfyn. Das ist auch in der Nachbarschaft von St Gallen – aber für St Gallen ist der Thurgau gern eher weniger Nachbarschaft, als tiefe Provinz.

Pfyn hat seinen Namen vom spätrömischen Grenzkastell Ad Fines und Reto und ich leben in einem Haus, das auf den Mauern dieses Kastells gebaut ist. Die römischen Mauern waren auch der Grund für ein Kunstprojekt – der zeitgarten und das Transitorische Museum zu Pfyn – and dem wir seit bald zehn Jahren arbeiten. Ad Fines übersetzt heisst an der Grenze, aber vielleicht auch: am Ende der Welt. Ein römischer Soldat, der vor 1700 Jahren nach Pfyn versetzt wurde um dort Dienst zu leisten, fühlte sich wahrscheinlich noch viel mehr in die Provinz verdammt, als ein St Galler, der heute in den Thurgau zieht.

Der Gegensatz zwischen dem Zentrum und der Provinz und die Gefühle, die diese verbinden, das hat uns interessiert, als wir vier Jahre lang versucht haben, eine antike römische Säule von Rom nach Pfyn zu bringen und es ist die römische Säule, die unser Attribut darstellt. Sie sehen unser Attribut verweist auf einen Aspekt unserer Arbeit.

Gleichzeitig kreist das Thema um eine Diskussion, die Mark und ich seit Jahren führen: Was ist Provinz? Was ist ein Zentrum? You always live in a village, sagt Mark dazu. Die Kunstwelt, das Dorf in dem wir Künstler imaginär leben, ist eben auch: ein Dorf. Die Kunstkritikerin Annelise Zwez sagte dazu einmal: Wir in der Kunstwelt leben auf einer sehr kleinen Insel. Vielleicht ist die Kunstwelt noch abgeschlossener als ein Dorf im Appenzell.

Und vielleicht hat das damit zu tun, dass Kunst gerne als elitär betrachtet wird, auch wenn sie dies längst nicht mehr ist. Elitäre Kunst ist für den Adel gemacht, sagt Umberto Eco, nur der Adel hat auch die Zeit und die Musse sich in Kunstwerke hineinzudenken und sich ganz in der Auseinandersetzung eines bestimmten Aspekts zu vertiefen. Der Adel ist aber auch eine aussterbende Spezies.

Mark Staff Brandl behandelt alle Personen und ihre Attribute in seiner Bilderserie gleich – da könnte man ihn als einen demokratischen Maler bezeichnen.

The Hood in unserer heutigen Welt betrifft natürlich auch unsere virtuelle Umgebung: Facebook, Twitter, Instagram, tumblr.

Social Media hat The Hood erweitert und wir diskutieren Ausstellungen, Philosophie und Kunst mit Menschen, die wir im analogen Leben vielleicht nie getroffen hätten.

Interessanterweise ist dies keine neue Erfindung, denn Grenzen überwindende Kommunikation in der Kulturwelt existiert seit der Erfindung transportierbarer Botschaften.

Trogen mit den Zellwegern, ihren Kontakten und ihrer ausscheifenden Korrespondenz im 18./19. Jahrhundert bietet dazu ein Beispiel.

Trogen – The Hood, Marks Nachbarschaft – da ist sie wieder und diesmal im historischen Kontext.

Als ich Mark Staff Brandl vor bald 15 Jahren kennenlernte, bezeichnete er sich als konzeptueller Maler. Er denkt in kunstgeschichtlichen Dimensionen und seine künstlerische Nachbarschaft geht weit über Trogen, die Ostschweiz und auch die Schweiz hinaus. Wären Zeitreisen bereits erfunden, Mark würde sie nutzen um direkt in die Ateliers der Künstler aller Zeiten zu reisen, um mit ihnen zu diskutieren. Er wäre mit Sicherheit dauernd unterwegs. Er weiss, was er tut und bei allem, was er tut, kommt er immer wieder auf die Malerei zurück. Malend experimentiert er mit dem Bezug zu Geschichte und Kunstgeschichte, mit Kontext, mit Kultur, seiner sozialen Umgebung, mit philosophischen und soziologischen Aspekten und er dokumentiert und kommentiert was um ihn herum passiert.

Nehmen wir heute Abend als Beispiel. Wir befinden uns in einer Bank. Hier geht es um Bares und Banknoten. Wenn der Künstler, seinen Porträtierten anbietet, dass sie die Bilder gegen Aktivitäten, Dienstleistungen oder andere Objekte tauschen können, ist das von vorneherein mitbedacht, auch eine kleine Rebellion und steht im Kontext mit dem Ausstellungsraum an sich.

Was unser Attribut zu unserem Porträt bedeutet, habe ich Ihnen enthüllt. Jetzt bietet sich aber für Sie, sehr geehrte Damen und Herren, heute endlich einmal die Gelegenheit, den immer etwas peinlichen Smalltalk an Kunstvernissagen zu umgehen. Sie können mit den anwesenden Porträtierten ganz locker ins Gespräch kommen, indem sie über die Geschichten der Attribute reden. So können wir heute Abend von einem Kunstpublikum einer Ausstellung ganz einfach zu Nachbarn werden. Dann sind wir The Hood. Brandls Hood! nicht nur in seinem Kopf.

Vielen Dank für Ihre Aufmerksamkeit

Brandl Exhibition "The 'Hood in miim Chopf"

"The 'Hood in miim Chopf”

Mark Staff Brandl

Text for the show in English:
 

"The 'Hood in miim Chopf
Mark Staff Brandl
 

My exhibition is titled "The 'Hood in miim Chopf." This is a combination of American English slang and Swissgerman dialect. In full English "The Neighborhood in My Head" and in Hochdeutsch, "Die Nachbarschaft in meinem Kopf." I show largely outside my living area nowadays. In the gallery that represents me in Zurich, Jedlitschka Gallery, or in Italy, New York, Chicago, elsewhere in Europe and so on. When I was asked to exhibit in the exhibition space of the Vadian bank, I had to think of something appropriate to being there. That is one of my joys as an artist, to work in what I call "Contextually Specific" ways. My work generally merges painting with installation, sign-painting and sequential art, often with a central conceptual framework that comes from the context of where it is being shown.
 

I decided that since the location was somewhat local, I would make it a celebration of the VERY local. I decided to do portraits of people who live near me in the village of Trogen, AR, people with whom I have regular contact. Thus neighbors. That is my "Viertel", or as we say it in the US, my " 'Hood." However, then I thought to expand it a bit, to bring it into our mobile present. I added to the group people who I see regularly, who I feel to be my neighbors, but who do not live directly near me. Thus, the neighborhood in my head, in my thoughts. These are people in Trogen, St. Gallen, the local artworld, Liechtenstein and more. Ones I talk to and think about.
 

Each portrait consists of two panels. The first is an image of their face in my style, in a variation I call "drawing-paintings" as they are somewhere between those two media. The second panel is of a thing they chose, or I chose for them, that represents them in some way. Die verschmelzen Einflüsse von Jackson Pollock, R.B. Kitaj, Jacopo Tintoretto, Schrift-Malereimeiner Vater Earl Brandl, und dem Comic/Sequenzielle-Kunst-Zeichner Gene Colan. Sie scheinen mit geschleuderten Tropfen von Schildmaler-Email-Farbe gestaltet zu sein. Aber die Striche und Linien verwandeln sich zu Repräsentationen ihrer selbst. I do visual philosophy in slang. In the Renaissance and Baroque arists would often paint objects that were synecdoches from the interests of the sitter. I always loved that, this is my version. In the Vernissage, you can ask the individuals what the objects are and why.
 

One more conceptual aspect. The paintings are for sale in pairs, as together they make up the portrait. However, the individual subject, those people who I represented have also the option of proposing a barter with me. A Gegengeschäft or Tauschhandel. Especially since most are not collectors: What they could do or the like for me in exchange for their portrait.
 

Welcome to an aspect of my world in the Ostschweiz. Thank you to Walter Ernst and the Vadian Bank, and all the people in the pictures for this possibility and allowing this strange trade.

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Der Text zur Ausstellung in Deutsch:

 "The 'Hood in miim Chopf
Mark Staff Brandl

Der Ausstellungstitel "The 'Hood in miim Chopf" ist eine Kombination aus amerikanisch-englischem Slang und Schweizerdeutsch. In korrektem Englisch hiesse der Titel "The Neighborhood in My Head" oder in Schriftdeutsch: "Die Nachbarschaft in meinem Kopf".

Ich stelle meine Kunst heutzutage hauptsächlich ausserhalb meines Wohnorts aus. In der Galerie Jedlitschka in Zürich, in Italien, New York, Chicago, anderswo in Europa und auf der Welt. Aber selten Zuhause. Als Herr Ernst mich angefragt hat im Gewölbe-Ausstellungsraum in der Vadian Bank auszustellen, wollte ich mir etwas Spezielles, etwas Geeignetes dafür ausdenken. Das ist für mich die grösste Freude als Künstler, "Contextually Specific", Kontext-Spezifisch, zu arbeiten. In meiner Kunst verschmelzen vorwiegend Malerei mit Installationen, Schriftmalerei und Sequenzieller Kunst (Comics) in einem zentral-konzeptionellen Rahmen, welcher wiederum in einem Zusammenhang mit dem Ort steht, wo sie präsentiert wird.

Ich beschloss, da der Standort lokal ist, eine Serie zu malen, die das Lokale zelebriert und verkörpert. Ich porträtierte Personen, die in meiner Nähe im Dorf Trogen AR wohnen und mit denen ich regelmässigen Kontakt habe – also meine Nachbarn. Das ist mein Viertel oder wie wir in den USA sagen: mein " 'Hood". Dann überlegte ich mir, wieso ich den Kontext nicht ein bisschen erweitern sollte um die Serie in unsere mobile Gegenwart zu holen. Ich fügte Personen zur Gruppe hinzu, die ich als Nachbarn betrachte, obwohl sie nicht direkt nebenan wohnen. Es sind die Menschen, die die Nachbarschaft in meinem Kopf, in meinem Gedanken bilden. Diese Leute kommen aus Trogen, aus St.Gallen, aus der lokalen Kunstwelt, aus der Schule, aus Liechtenstein und so weiter – Leute, mit denen ich regelmässig kontakt habe und über meine Gedanken und Überlegungen diskutiere.

Jedes Porträt besteht aus zwei Tafeln. Die erste Leinwand ist eine Darstellung des Gesichts „des Nachbarn / der Nachbarin“ in einer Variation meines Stils, den ich "drawing-painting"/ Zeichnung/Gemälde nenne, denn diese Arbeiten stehen irgendwo zwischen diesen beiden Medien. Die zweite Leinwand ist ein Bild von einem oder mehreren Objekten, das/die Person repräsentiert und die von der Person oder von mir ausgewählt ist/sind. In den Bildern kommen Einflüsse von Jackson Pollock, R.B. Kitaj, Jacopo Tintoretto, Schrift-Malerei meines Vaters Earl Brandl und die Comics des Sequenzielle-Kunst-Zeichners Gene Colan zusammen. Die Bilder scheinen mit geschleuderten Tropfen von Schildmaler-Email-Farbe gestaltet zu sein. Aber die Striche und Linien verwandeln sich zu Repräsentationen ihrer selbst. Ich mache visuelle Philosophie in Slang, auf Dialekt. In der Renaissance und im Barock haben Künstler oft symbolische, synekdochische Gegenstände in Gemälde integriert um die Interessen der Porträtierten darzustellen. Ich habe diese Bilder immer geliebt und hier sind meine Versionen. In der Vernissage können Sie die Individuen nach den Gegenständen und ihren Bedeutungen befragen.

Noch ein letzter konzeptueller Aspekt: es gibt der Preis pro Tafelpaar als Diptichon, weil die beiden Bilder jeweils als ein Kunstwerk zusammengehören. Allerdings gebe ich den individuellen Personen die porträtiert sind, auch die Option mir ein Gegengeschäft oder einen Tauschhandel vorzuschlagen. Ich mache das, weil die meisten Porträtierten keine Sammler oder Angehörige der Kunstwelt sind und ich bin gespannt, was sie für mich machen werden oder mir geben können im Austausch für ihr Bild. So entsteht ein eigener Wertraum – was wiederum spannend ist in einer Bank.

Ich heisse Sie herzlich willkommen zu meiner Nachbarschaft im Kopf, einer Facette meiner Welt hier in der Ostschweiz. Herzlichen Dank möchte ich Walter Ernst, der Vadian Bank und allen hier dargestellten Personen aussprechen. Danke, dass Sie diese Ausstellung möglich machen.