Belcher, UK: Disappearing Labour: U.K. Arts Council Debate

the following will be submitted to 'The Arts Council' debate an online discussion of our august funding body in U.K. Apologies for length but these concerns are I think wider than just U.K.
see

http://www.artscouncil.org.uk/artsdebate/





Raleigh Plant Nottingham : Now redeveloped into University Buildings.

How ‘professional practice’ removed the working-class from the picture.

On of the most striking aspects of the development of the fine art world in the last 25 years since I was at art-college has been the rapid and total de-skilling of artistic ‘practice’. Indeed that word ‘practice’ sums up the qualitative change in the environment that artistic ‘practitioners’ and students operate in. I am focussing on that word because it seems to me to be symptomatic of the larger changes. Trends begin in language and ‘practice’ supplanting ‘art work’ or ‘oeuvre’ is one of the most significant.

As an art student we had ‘complementary studies’ which ranged across critical studies and other art forms but nowhere was I introduced to notions of ‘critical practice’, ‘networking’ or ‘research procedures’. Instead there was a healthy insistence on the ‘materiality’ of the process down to the actual grinding of pigment for paint (how quaint that seems in cyber paint age) and the physical act of creation as a significant and in some cases all-encompassing feature of creating ‘art-works’. That word ‘work’ there is important. Tutors not only theorised in the abstract but also commented on constructive principles, materials and assembly.

To read back through the statements of artists such as Henry Moore, Anthony Caro, David Hockney even was to be introduced not only to intellectual concepts of ‘making art’ (again note word ‘making’) but also to physical notions of ‘craftsmanship’. For artists from working-class backgrounds such as Moore and Hockney there was a seamless affirmation of the quality of making that their communities whether in Bradford Mills or Leeds Foundries would have understood. The general public may have baulked at the physical embodiment of those ideas but a welder or sign-painter would have understood the technical ability involved in its construction. Without ‘labouring’ the point there is a direct correlation with this activity and the philosophy of craftsmanship stretching back through Morris to the old guilds. Even as a lowly labourer (working on middle-class tutor’s house for cash be it painting and decorating or building work with my fellow working-class students) I and my ‘labouring’ friends were acutely aware of the instilled belief in ‘a job done properly or not at all’. Coming from a background of low incomes that mantra was a source of pride that maintained dignity and purpose when treated badly.

So what does this have to do with artistic ‘practice’? Well as the artistic climate began to morphose into dealing with the destruction of traditional class divisions with the breaking up of the Miner’s Strike and the new opportunities of money from selling the state assets back to its people the hard left suddenly found it could no longer ‘believe’ or support those hackneyed themes and looked to wider academic philosophies for support…Derrida, Foucault..whatever suited was used. Language invaded the academies and process became mental rather than physical. Life-rooms were ‘disappeared’ as were the craft technicians and their areas..wet photography, etching, printmaking in general and sculpture. Advances in digital equipment and the internet made costing art education cheaper and also opened up the floodgates of language which washed over the huddling masses in spectacular fashion. The result two decades later is that ‘practice’ has replaced ‘work’. Painters and their messy procedures have been sidelined in favour of more streamlined and cost-effective ‘streaming’ per unit (a unit=one student by the way). Result has been a complete implosion of not only those more gruelling and supposedly less intellectually taxing pursuits as painting, etching, bronze casting but also a radical denial that those forms were anything but an old-fashioned aspect of bourgeoisie and right-wing ‘control’.

Unfettered from their working-class shackles of mind these warriors of the new left/right could dance around the world as ambassadors of Thatcherite ‘entrepreunership’ or New Labour ‘Cool Brittania’ with not a moment of doubt or guilt that they had thrown any babies out with the bath water. This process was so swift and its impact so total that even before I left art college in 1981 the process had started. This process found its moment of triumph in ‘Sensation’ and its attendant ‘Brit-Art’ boom. Gone were the toiling working class and the effete bourgeoisie world of watercolours and oil-painting. Swept aside in the revolution of two strange-bedfellows – new money a la Saatchi ( gained from political propaganda lest it be forgot in the fog of time) and the hard-left apparachiks of ‘new’ Polytechnic/Unis and ‘new’ art. These were heady times and so what if half the philosophy and theorising did not stand up it had that elusive ‘Wow’ factor and it sold. Yes these partners in the dance had found each other and would never let go.

Twenty years later and like the ‘little’ man who sweeps up after the art-school ball the effects are everywhere. Art-schools and Polytechnics (Rebranded New Universities to give them ‘professional status’) are no longer under local authority control but are multi-million pound businesses siphoning off cash from those who can best pay i.e. the middle-class and the ubiquitous and much loved ‘overseas student’. That process of removing the original meaning and philosophy of the ‘Technical Schools’ and the Victorian notion of ‘training for ornament’ to decorate the ‘Empire’ are gone and with them Morris and Co’s belief in progress through labour.

Here ‘practice’ has come into its own. It is a fact that the recent changes in grants will remove the few working-class students foolhardy and resistant to parental pressure able to make into the newly ‘professional’ class of the ‘contemporary artist’. A few will always slip through because of inate ability as Grayson Perry recently noted. For the majority though a ‘second-stream and second-rate’ mountain to climb through school, further education and maybe an HND if they are lucky awaits. The good aspects of ‘craftsmanship’ (abilty, hand and eye co-ordination and pride) have been jettisoned along wth the bad (subservience, minion status, ‘little-man syndrome’) and we are left with a system that as ruthlessly middle-class in its deportment, salary expectations and class awareness as any yet seen. Blairism is not the triumph of the ‘old working class’ it is the triumph of the new ‘middle-class and it’s most recent converts…those lucky enough to slip their working class shackles and join the ‘parade’.
How does this affect the Arts Council? In the past the Arts Council from its post-war origins onward has been largely a middle-class/upper-class dominated project despite its Welfare State status. As pointed out to me recently by someone in the Arts Council the post-war remit was heavily towards supporting the noble performing arts…Opera, Dance, Theatre. These were in need of rebuilding and supporting post-war at a time of rationing and scant resources and the Arts Council did its job well within that remit. Indeed some positive extras even appeared such as Larkin’s idea for a Poetry Library. Despite boom and bust several times over these arts are sacrosanct and let us not forget that they will retain their core funding unless some real revolution happens soon. The reality is the support of individual artists and community arts projects etc has been largely funded out of the lottery funds which are now on the wane. Forget Olympic slight of hand the real downward trend in that area of ‘smoke and mirrors taxation’ will continue as the public grow tired of losing their few quid every week.

My argument is that the Arts Council recently has become a partner in the ‘professional-isation’ of the arts. Individual grants have mostly gone to those most able to tick the boxes which is not the same as the most deserving or the most able. A middle-class practioner of whatever background with a good grasp of language and networking is able to jump hoops required and draw down funding.

The Arts Council actually funds A-N the artist’s newsletter which has come to define one area of ‘practice’ as defined by the new universities. Artistic finishing schools like the Slade, Chelsea and Royal College continue to process artists through to the major galleries as they have done since time immemorial. When I received an offer of a place at the Royal College in 1981 I was a working-class exception not the rule and was swiftly replaced by ‘overseas student’ when I could not afford the fees. From comments by a current RC student on a Grayson Perry article nothing much has changed there. Outside that alumni network the practicing artist from the New University flowerbed has pretty much taken over the ‘alternative’ network of regional arts centres, art galleries and a-n itself.

Nothing wrong with that in principle but because this new class also sees itself as ‘professionalised’ and newly minted ‘middle-class’ it keeps a distance from anything that reminds it of its non-professional background….paint, stone, non-literate visual communication…..the values of its parents if working class and the manners and dirty hands of ‘that lot from the estate’ if it middle class. Result the Arts Council unwittingly because it speaks only in the ‘new language’ is part of a process that divorces the working class student from its background and makes it feel ashamed. I may be regarded as being sensationalist here but Jeremy Seabrook identified a similar process in regard to community thirty years back as the ‘magic-carpet’ ride in regard to working class students going to university and never returning to their ‘sink estates’.
Artists like Damien Hirst and Tracy Emin are like Ali Baba riding that carpet for all it is worth but they have never touched down in their original communities since unless as ‘researchers’ or for the occasional family get together. They have done the trick their families expected of them of converting all that ‘arty stuff’ into cash and that brings a grudging admiration from their peers but do they give anything back?
Where the Arts Council has failed in my opinion and where it could make a great leap forward is in increasing the ‘scope’ of its funding to include more of what regarded as ‘amateur’ by the new professionals which as I stated can and does include a great deal of painters and crafts people ‘removed’ from the bigger picture who do not apply for Arts Council funding (including serious for want of better term artists disenfranchised by the new elitism) because the gatekeepers - are generally the young professional middle-class – the ‘mujistas’.

If they could reintroduce the ‘floating’ and disenfranchised practitioners back into their communities or the communities they now live in we’d have a start. Paul Oliver argued for a nodal system of arts centres based on BBC buildings around the country and it still an area for possible development.

The key concept here is the A.C.E. remit of supporting the ‘cutting-edge’ - -who’s edge and who’s cutting? . Paring down the amazing variety of art and culture created in this country by narrow ‘professionalist’ concepts of right and wrong means many left out by default. Narrow face-saving attempts to promote inclusion by parachuting white middle-class artists into ‘problem areas’ to facilitate do more harm than good if not speaking with local knowledge and understanding.

Another £30 K sculpture of a giant egg on the roundabout on the edge of town reinforces that lack of communication. The ‘disappeared’ labourers……the ones on night shift cleaning, herded into lump labour vans at dawn, garage forecourts etc etc have a right to seeing the arts too but are their notions of what art is …craftsmanship and effort maybe? ….to be ignored too because not cutting edge?

Can that always be dismissed as dumbing down?

Clean bright empty offices and clean bright empty shows and no workers…….unless serving…

The future is bright..the future is black. The future is a blank canvas?

Will the new elite be our doctors ..their practice our medicine?
Shaun Belcher
23 March 2007

References:

Grayson Perry: You can lead a chav to culture but can you make him think?

http://entertainment.timesonline.co.uk/tol/arts_and_entertainment/article628373.ece

Grayson Perry: Stop art schools from turning into posh white ghettos.

http://entertainment.timesonline.co.uk/tol/arts_and_entertainment/article1448160.ece

Accessed 22.3.2007

Moogee, Brighton UK: Raining on their Parade...

“Historians when they come to write about New Labour, need to look no further than our council (Brighton) to see where it all went wrong; an administration that consistently ignores core services in order to spend its money on headline-grabbing projects which benefit an elite few”
Julie Burchill quoting a Brighton resident in Guardian Weekend 17.03.2007



What has this got to do with Parade, the Angel Row Nottingham showcase of local artistic talent? Well everything and nothing. The title itself is an oblique reference,I presume, to the coincidental ‘parade’ of dignitaries, binge drinkers, (or are they one and the same) community groups and past their sell-by-date musical acts which are launching the opening of the new ‘city square’. By an act of stupendous largesse the Nottingham City Council have managed to spend £7 million pounds ‘renovating’ the city's market square and as if that not enough then celebrated their municipal munificence by spending another £400,000 on opening celebrations. This in a city about to see community funding go into freefall pre-olympics and which despite multiple funding initiatives still has some of the worst crime and social problems in England to deal with. Hey ho let them eat cake ...

On the opposite side of this mock-Spanish square replete with silver chairs (Café Nero not Yates is our cultural destiny) we find a rather worn Angel Row which in its heyday was something of a noise in the IAW (International Art World). Ironically that golden period was long ago and far away and after a time when local-bred initiatives such as the Playhouse and Midland Group actually gave the city some claim to ‘avant-garde’ status.

Fast-forward and although the Polytechnic has blossomed into a first-rate art-school the Angel Row seems curiously caught in its own reflection. Parade number 2 curated by Mary Doyle is the second in a series of 3 showcases promising the newly ‘Europeanised’ residents of Nottingham a taste of local artistic produce …a sort of organic vegetable box of the brightest and best from the region. Well.. Nottingham actually if the map on the wall is correct then contemporary art is alive and well only within the city and at one location in Lincoln and Northampton. How fresh and sustainable is this box of goodies?

This show using the usual curatorial ‘premise’ of a trendy title is called ‘Out of Place’ so is it and what does it have to say about this place here and now? Well first thing seen is a screen showing two of Roger Suckling (Nottingham resident – Lincoln teacher) shorts which are amusing and well made musings upon just such a notion. Train tickets flicker and hand held video jogs and yes we get the message…global/local. Short, well crafted and communicative. Hats off Roger and more like that please. The fresh carrot in the box and no wilting yet.

Open the door on the gallery space and another interesting piece – Eric Rosoman’s ‘Muckle Flugga’ lighthouse in miniature and a series of marks (in tasteful artschool tape as crosses..religious symbolism?) across the grey floor. A successful and intriguing piece especially when related to the framed ship’s names. Out of place certainly but fresh still and another carrot.

The rest of the room contains a few mouldier items. Simon Withers has managed to be featured in two shows on the basis of continually shifting his ‘practice’ to suit the prevailing winds. This particular vessel. ‘Rokeby Venus by jumping’ can be safely dropped in the ‘an idea you’d have in the pub but dismiss as too silly when you woke up’ school. Flimsy but attractive to funders and small children because it is funny even if it isn’t meant to be.

Candice Jacobs is big in an ‘a-n’ (that's artists newletter to the unsophisticated) land sort of way apparently and boasts of having Damien Hirst ‘view’ her work which marks a new low in ‘solipism’ on art c.v.’s. On this basis expect lists of ‘Famous people what walked past my work’ soon. Her work…contemporary ironic with a capital ‘C’. Ironic references to other artists in same leaky boat and to be frank dull. Apparently her work uses ‘ everyday objects in unexpected ways’ - old vinyl records, glasses and artwork that looks faintly like photos in back issues of art magazines circa 2000. You get the picture. Kids like it when it revolves though so not all bad.

Oh there a site-specific wall-piece so bland I’d almost forgotten it which managed to make one corner of the room look like habitat across the road. So two limp lettuces and a mouldy parsnip there folks.

Second room and we into the potatoes (no meat..this is council funded remember). Paul Matosic and Roger Suckling both showing large films both of which enabled through munificent Arts Council funding. Both interesting and of a piece with their careers and as older members of show surprisingly fresh still. A couple of solid cabbages. Neither piece in my opinion as good as other work they have done. The third pillar in the room by Tomas Chaffe tells you all you need to know again kids like it because it a game working out which is the 'false' one. It no more an artistic revelation than the glorious reworking of an old idea (sadly not his own) by Niki Russell which proves that a good idea (Rachel Whiteread’s in this case) can keep you in funding for a while. As an actual object it was built by somebody with all the building skill of a member of the Royal Family. Fabulous but not as fabulous as Mayer’s film of a woman regarding a step ladder. Maybe she waiting for Niki Russell to finish his room? Three very limp turnips.

So there you have it. Global influenced local produce. If shown at a vegetable show I’d say that Suckling and Rosoman would get rosettes for at least truly describing things that were ‘out of place’. The rest I’d maybe use in an art stew like this but a couple probably end up in bin as ideas too far gone to be edible.

Re-emerging into a beautiful European-influenced marble square with trams gliding surreally through the St.Patrick’s Day parade do I feel that Nottingham’s contemporary art has suddenly risen to such a degree that it deserves attention. Well no. Decent enough attempt but lacking that particularity and individuality that is going to storm the IAW (International Art World). No point in musing on what might have been in last ten years with real support and funding for these artists and what could have been achieved with the same old square in place and all that money. No we live in a world where initiatives replace commitment and PR has supplanted common sense. Nottingham had a very strong art history before all the art-speak and interventions got in the way of the expression of raw talent.

The Angel Row and its apparachiks are not a cause of this disease they just attempting to deal with a plot of ground infected with the symptoms. Even this small plot of ground is under threat too now. The powers that be say money is needed for athletes and sports stadia not exhibitions. Maybe this isn’t the rosy dawn of a new European era but the last 'Hurrah' of a New Labour dominated agenda that said let everybody eat cake and things will come right.....more parades, more bread (foccacia not hovis) more circuses, more lottery money for everyone....

They didn’t come right…….but we have some lovely fountains to piss away our sorrows in.

Enjoy...

'Moogee'

Décès de Jean Baudrillard

Par Liberation.fr / AFP; LIBERATION.FR : mardi 6 mars 2007:

Décès de Jean Baudrillard, pourfendeur de la société de consommation et des médias
Le sociologue et philosophe est décédé mardi à Paris, à l'âge de 77 ans

Le sociologue et philosophe Jean Baudrillard, mort mardi à Paris à l'âge de 77 ans des suites d'une longue maladie, a porté pendant 40 ans un regard féroce sur la société de consommation, dont il a dénoncé l'insignifiance et prophétisé le déclin.

Issu de la mouvance de mai 1968, ce penseur de renommée internationale, et également photographe à l'oeuvre reconnue, a élaboré une critique radicale des médias, baignée d'humour noir et d'un pessimisme joyeux qu'il a instillé dans une cinquantaine de livres.

Né le 20 juillet 1929 à Reims, germaniste de formation et traducteur de Brecht, proche des situationnistes de Guy Debord dans les années 1960, Jean Baudrillard enseigne la sociologie à partir de 1966 à l'Université de Nanterre.

"Compte tenu de mes diplômes, je n'avais pas le choix. En 1965, la sociologie était la seule discipline qui restait ouverte. Au début, j'étais obligé d'apprendre au fur et à mesure ce que je devais enseigner à mes élèves", expliquait-il. En 1968 parait son premier livre de sociologie, "Le système des objets", suivi en 1970 de "La société de consommation".

Jean Baudrillard s'éloigne ensuite du marxisme et poursuit ses recherches en franc-tireur. "Les masses" ne sont plus pour lui les victimes de l'ordre social, mais les complices de cet ordre qui les enrichit, à cette époque des trente glorieuses finissantes.

Visage rond derrière de fortes lunettes, il tourne alors en dérision la prétention de la gauche unie de changer la vie et celle des intellectuels de peser sur les choix politiques. Sa philosophie, fondée sur la critique de la pensée scientifique traditionnelle, développe des idées fondées sur la simulation et la séduction.

"Intellectuel dégagé", pour les uns, "fossoyeur des utopies" pour les autres, Baudrillard est un penseur inclassable, devenu suspect à gauche, capable d'exhumer la pensée réactionnaire du philosophe Joseph de Maistre dans "La transparence du mal" (1990).

"Il faut vivre en intelligence avec le système et en révolte contre ses conséquences. Il faut vivre avec l'idée que nous avons survécu au pire", soutient-il alors.

Ce style cinglant, fait d'aphorismes parfois hermétiques, devient sa marque de fabrique. "Ce que j'écrirai aura de moins en moins de chance d'être compris. Mais ça, c'est mon problème. Je suis dans une logique de défi", prévient-il.

En 1986, un voyage aux Etats-Unis, dont il rentre subjugué, lui inspire "Amérique", feu d'artifice d'images et de traits philosophiques : "L'Amérique est la version originale de la modernité, nous en sommes la version doublée et sous-titrée"... "L'Amérique, c'est l'utopie réalisée".

Fuyant les médias qu'il s'évertue à décortiquer, il consacre en 2001 dans Libération plusieurs chroniques à l'émission "Loft Story", "laboratoire d'une convivialité de synthèse, d'une sociabilité télégéniquement modifiée".

Mais Baudrillard s'intéresse à tout ce qui fait l'actualité et les attentats du 11 septembre lui inspirent "Requiem pour les Twins Towers" l'année suivante.

Considéré tour à tour comme un nihiliste ou un moraliste, il a souvent été vivement critiqué. "En fin de compte, on peut se demander ce qu'il resterait de la pensée de Baudrillard si l'on retirait tout le vernis qui la recouvre", écrivaient ainsi en 1997 Alan Sokal et Jean Bricmont dans "Les impostures intellectuelles".

Jean Baudrillard se voyait lui en résistant. "La lâcheté intellectuelle, soutenait-il, est devenue la véritable discipline olympique de notre temps".

Moogee: Where is the Art World located?

I seem to have slipped this debate onto the artforum website ….please contribute…especially if a provincial:-)



http://www.artforum.com/index.php?pn=talkback&id=65007

Where is the art world located?

by Moogee, 03.21.07 02:24 pm

I was amused by your august journal’s City names on the front of your web page. According to this Nottingham U.K. is not a part of the IAW (International Art World) and neither is Chicago which I find distressing for those poor artists there. I would love some advice on how long this state of affairs has pertained and with government funding we may be able to relocate to somewhere that is in the IAW immediately thus rectifying the situation.

( note: Chicago was added since yesterday:-)

yours

a proud provincial

'moogee'

http://belcheresque.wordpress.com

Dreaming Monk: Mushrooms, Soy Noodles and Soap?

In an attempt to avoid putting to much junk down the drain I have gotten into the habit of washing my brushes and stuff in a little water filled pail which, when it gets too disgusting, is poured into an old container or can; whatever is convenient. Depending on the season and the humidity level, either the water evaporates and I can put the residue in the trash bin, or the whole thing starts to rot and stink. Which of course raises the internal, eternal(?) debate of self comfort versus idealism.

A few years ago my “mixture” rotted, dried up, rotted some more, dried up again and really became beautiful both in color and texture. I made a silicon mold ;-) of it with the thought of making a little bronze relief souvenir,.. or something, which I sadly admit, I have yet to do.

All that to not explain my basic happiness at looking at the pictures from we make money not art's post about Michel Blaz's Post Patman installation at the Palais de Tokyo. Hope I can make it there in April!

From Rattlebrained.

Belcher: New Cartoons - from Thames Valley Texas

A cartoon a day keeps the funders away...see

http://belcheresque.wordpress.com

serious side

THAMES VALLEY TEXAS

http://www.sdbmedia.wordpress.com

ostschweizer — comics — now! sequenz #4 – brutti ma buoni

sequenz #4 – brutti ma buoni

's liegt bereit: ein überquellendes, vielfältiges, 224 seiten starkes taschenbuch. das haben wir gestern abend gefeiert, im badhaus hinter der lokremise! brutti ma buoni

ostschweizer und –innen — comics — now!

beatboxer camero war sagenhaft!

dazu kam

bondage fairies
«die ankündigung (...) hier habe man eine «mischun aus punk und elektro-wahnsinn ergänzt von atari-melodien» vor sich, klingt ja erstmal wie eine drohung. nicht schon wieder! diese hybriden, die nicht wissen, was sie wollen oder können oder wie sie's anstellen sollen, endlich auch mal in die presse zu kommen! glücklicherweise sind die bondage fairies aber wirklich eine ganz fabelhafte band, die erstens in schweden schon so manche großartige liveshow hingelegt hat als auch mit "what you didn't know when you hired me" eines der ersten großartigen alben dieses jahres rausbringt. sie haben nicht nur die richtigen klamotten (und treten als zweiköpfige roboterband auf, komplettiert durch einen computer), sie haben auch die richtigen illustrationen im booklet (ein strümpfiger he-man zum beispiel oder ein totenkopf mit zwei gekreuzten vibratoren) (...) nicht zuletzt sprechen elvis creep und deus deceptor (die richtigen namen haben sie also auch!) als schweden auch noch so manches englische wort auf charmante art falsch aus.»
tina manske, gaesteliste.de, internet-musikmagazin
www.betterbondage.se

john player
«john player (bürgerlicher name: hans spieler) gehört zur züricher partyszene wie die kuh auf die alm: egal ob als dj, partyveranstalter oder labelbetreiber von 7b records. «j» ist der hans dampf in allen gassen ...»
DE:BUG, magazin
www.7b.to

mitsutek
mitsutek hat bereits an der ersten sequenz-vernissage gerockt, und ist als st.galler dj, netzwerker und partyveranstalter öppis. www.abbruchhaus.net

sister jane
«30er, 40er, 50er»

sequenz-visuals
brutti ma bouni - womit wir wieder beim thema wären. wer sie noch nicht kennt, sollte sie langsam kennenlernen, unsere hauseigene visualbande.das magazin sequenz soll in erster linie eine plattform für menschen bieten, welche sich mit sequenzieller grafik, oder der sequenz im allgemeinen sinne (dies sei nun zu erforschen) beschäftigen, jedoch nie die möglichkeit oder den mut hatten ihr schaffen der öffentlichkeit zu präsentieren. gleichzeitig soll es dazu anregen, sich mit diesem thema zu beschäftigen, neues zu schaffen, den rahmen der sequenz, wie dieser begriff bis heute definiert wurde zu erweitern.
nun greifet zu farbstift, startet den computer, spannt film in eure kameras, kritzelt geschichten und poesie und erhebet euch aus des klosters schatten und sequenzimentiert!

es gibt keine grenzen, keine regeln, keine vorschriften- nur einen rahmen: die sequenz. die definition sei dem schaffenden überlassen...

sequenz soll animieren, informieren und interessieren.

sequenz website hier

exex: can you now return to from where you came

can you now return to from where you came

peter dew, petra elena köhle und nicolas vermot petit-outhenin

> eröffnung donnerstag 8. märz 2007, ab 19 uhr

> mit einer einführung von matthias kuhn

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«can you now return to from where you came» ist der abschluss einer trilogie - nach «travelogue» (2004) und «warum die pilze hier und dort wachsen» (2005) - welche den narrativen möglichkeiten der kunst nachgeht. die frage ist ganz einfach: mit welchen mitteln erzählt die kunst geschichten? während die literatur sich fast ausschliesslich auf das medium buch beschränkt und geschichten linear erzählt, hat die visuelle kunst - im besten sinne des wortes - multimediale formen entwickelt, die vielschichtig, verzweigt und assoziativ funktionieren. die ausstellung «can you now return to from where you came» zeigt noch einmal zwei positionen, die sich in völlig unterschiedlicher art und weise narrativer techniken und strategien bedienen.

peter dew (*1967, lebt und arbeitet in st.gallen) ist ein sammler. er trägt materialien wie drähte, plastikteile oder hölzer zusammen und baut damit ganze universen, verbindet die absurdesten gegenstände zu kleinstskulpturen, fügt diese wiederum in grössere zusammenhänge ein und setzt sie zueinander in beziehung. seine installationen sind unübersichtlich und chaotisch und doch in den einzelheiten ordentlich und präzis. dews neuste installation «oh, but what if i want to go down that way?» gründet auf einem komplexen system von wegen, die als netzwerk die zum teil disparaten einzelteile zusammenführen, verbinden und zu einem einzigen geflecht von verweisen und bezügen - auch auf filme, songs und stories - verdichten.

petra elena köhle und nicolas vermot petit-outhenin (*1977, leben und arbeiten in zürich) reisten im frühling 2006 für ihr projekt «anche se non posso focalizzarti - sei nel mio sguardo» («auch wenn ich dich nicht sehen kann - du bist in meinem blickfeld») getrennt nach palermo. 21 tage wollten sie in der stadt leben und eine untersuchung über die wahrscheinlichkeit einer zufälligen begegnung führen. ausgerüstet mit fotoapparat, diktafon, notizblock und gps-gerät, das die wege durch die stadt aufzeichnete, verbrachten sie ihre tage flanierend und in der steten erwartung, den andern zufällig zu treffen, ihn in einem café sitzen, oder hinter der nächsten ecke auftauchen zu sehen. unter dem titel «über das eigenleben einer versuchsanordnung, oder von der unmöglichkeit keine geschichten zu erzählen» zeigen petra köhle und nicolas vermot eine dichte installation von texten und fotografien aus dem palermo-projekt.

projekteitung matthias kuhn

weitere informationen zum projekt unter http://www.visarteost.ch


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projektraum exex, oberer graben 38, 9000 st.gallen
telefon 071 220 83 50, e-mail exex@visarteost.ch

öffnungszeiten: donnerstag 9 bis 12 uhr und 13.30 bis 17 uhr

oder auf anfrage

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alle veranstaltungen märz/april 2007

www.offoff.ch

bar zur lancierung des portals der off-spaces der schweiz!

- url http://www.offoff.ch
> freitag, 16. märz 2007, ab 19 uhr

petra elena köhle & nicolas vermot petit-outhenin:
von der unmöglichkeit keine geschichte zu erzählen

köhle/vermot lassen sich in gespräche über palermo verwickeln ...

> donnerstag, 22. märz 2007, 20 uhr, nocturne surprise um 22 uhr

<peter dew: the feeling arranger, the heavenly conductor and me, or:
a different story for every set of eyes

peter dew legt musik von neil young auf.

> donnerstag, 5. april 2007, 20 uhr, nocturne surprise um 22 uhr

ON TOUR: kunsthaus glarus

sonntagsausflug zur ausstellung von köhle/vermot in glarus ...

- url http://www.kunsthausglarus.ch
> sonntag, 15. april 2007, st.gallen ab 10.02 uhr
> anmeldung bis 13. april 2007 unter webmaster@visarteost.ch

matthias kuhn/alex meszmer: travelogue (remastered)

- url http://www.wortwerk.ch/travelogue
> donnerstag, 19. april 2007, 20 uhr, nocturne surprise um 22 uhr

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exex präsentiert eine sight-hearing-tour durch st.gallen:

AUDIOMOBIL

blablabor (reto friedmann/annette schmucki), sven bösiger,

andres bosshard, karin bühler, marcel gschwend, häfligerohr
(hans häfliger/jürg rohr), matthias kuhn, silvan lassauer,
arno oehri & marco sele, andrea siering, hildegard spielhofer,
strotter inst., martina weber

25. bis 28. april 2007

projektleitung karin bühler

A.G. Corciulo: 1. Ausstellung von Gabriella Tundo

GABRIELLA TUNDO
MALEREI
VERNISSAGE FREITAG 9. MÄRZ 18-20 UHR

Im Atelier von Andrea G. Corciulo/ St.Gallen/ Lagerhaus/ Davidstrassse 44/ 2. Stock/ beschildert

Weitere Ausstellungsdaten:
SA. 10.03 / SO 11.03
SA. 17.03 / SO 18.03
JEWEILS VON 11 – 17 UHR

Gabriella zeigt ihre über das letzte Jahr entstandenen Insektenbilder.

Wir freuen uns auf Euren Besuch!
Herzliche Grüsse

Andrea + Gabriella

Brandl/Reed: Painting Back When It Had Been Proclaimed Dead

David Reed and Katy Siegel, a painter and art historian, respectively, both of whom I treasure, have organized an exhibition at the National Academy Museum. Here is an excerpt from Roberta Smith's review of the show in the NY Times of 16 February 2007.



NY Times: Art Review of "High Times, Hard Times"
"Painting in the Heady Days, After It Was Proclaimed Dead"
Roberta Smith

"New York painting from the late 1960s and early ’70s — when the medium supposedly was dead — is one of the biggest elephants in the room of recent art history. The nonpainting trends of those years have been relentlessly celebrated and valorized by museums, art historians and biennials. The multiple strands of Post-Minimalism that ended painting’s dominance — Conceptual, Process, Performance, Earth and video art — have coalesced into a canon and master narrative of their own. The king is dead, long live the king.

But painting? What happened to painting after the final big bangs of Pop and Minimalism, as Modernism wound down, is both exceedingly complicated and relatively unexamined. Enter “High Times, Hard Times: New York Painting, 1967-1975,” a brave if deficient exhibition organized by Independent Curators International, which concludes its three-stop tour at the National Academy Museum.

(...) The show passes over the artists who dominated painting during this period, like Jasper Johns, Frank Stella, Brice Marden, Robert Mangold and Robert Ryman. Young Turks of that moment, like David Diao and Peter Young, are here, but the whole project feels a bit hollow at the center, like a time capsule from a time that didn’t quite exist.

Still, with 42 works by 37 artists, "High Times, Hard Times" is a start and should inspire further attempts. It was proposed by the painter David Reed and assembled by the art historian and critic Katy Siegel in consultation with Mr. Reed. Sketchy as the final outcome often is, they and Independent Curators International are to be commended for tackling a job that a flush New York museum should have taken on about 10 years ago. Whatever its problems, this exhibition demonstrates a central truth: far from being dead during the period in question, painting was in an uproar. (...)

(...)In the end, this exhibition would have been better titled “New York Painting, 1967-75: The Untold Story.” Its problem, simply, is that the larger, more familiar story of the painting of this period has yet to be told.
But this exhibition, pulled off by a small nonprofit art organization with no gallery space of its own, has taken the plunge, and it suggests all kinds of possible exhibitions: surveys of Ralph Humphrey’s or Ms. Fishman’s career, for example, or of New York painting in the late 1970s and even the ’80s. Perhaps it will remind New York’s big museums to think outside the box of the blue-chip retrospective or the sampling of current gallery trends and examine painting’s neglected recent past in ways that might benefit its present and future."

"High Times, Hard Times: New York Painting, 1967-1975" through April 22, the National Academy Museum, NYC, NY.

Read the whole review here.

National Academy Museum here.

Image: Dan Christensen Untitled, 1968, 90 X 70 inches, Acrylic on Canvas

GESPRÄCHS-ORT-BLOG: HEIMSPIEL 06

Vielleicht haben Sie den Artikel von mir, Mark Staff Brandl im St. Galler Tagblatt von Freitag, 9. Februar gelesen. Die Diskussion unter Künstlern hat bereits begonnen auf dieser Blog Site, dem "Swiss Art Sharkforum". Wir haben hier im Swiss Art Sharkforum DREI Blog-Posts zu dieser Ausstellung. Bitte lese alle drei und danach beteiligen Sie sich daran — unter diesem Post!

Jetzt sind auch alle drei im Tagblatt erschienen. (Volle Texten auch unten.)

Link zum Brandl Tagblatt-Artikel hier.

Link zum Kuhn Tagblatt-Artikel heir.

Link zum Meszmer Tagblatt-Artikel hier.


Brandl: Offener Brief im Tagblatt zu Heimspiel 06


Matthias Kuhn: Heimspiel 06 - Auswärtsspiel vor heimischem Publikum - Einige Abschweifungen


Alex "Max" Meszmer: Heimspiel 06 in St Gallen: 1:2 für das Kunstmuseum

Alex "Max" Meszmer: Warum die Schweiz nie Fussballweltmeister wird, oder Heimspiel 06 - eine Nachlese

Hier der ganze Tagblattartikel zur Heimspieldiskussion vom 24.02.07.

Endlich ist das Heimspiel vorbei und langsam werden die Diskussionen abebben. Mit einem Donnerschlag hatte Mark Staff Brandl die Diskussion um die Ausstellung und das Gebaren rundherum angeheizt, provoziert und polarisiert. Die Aufmerksamkeit war da, alle waren wach – öffentlich dazu äussern, das trauen sich nach wie vor nur Wenige. Aufmerksamkeit zu erlangen für die eigene Arbeit ist das A und O eines jeden Business. Am einfachsten geht das immer noch mit Schlagworten und für einen Augenblick gucken dann alle hin. Von Fussball habe ich so gut wie gar keine Ahnung und nachdem ich mit meiner Überschrift ihre Aufmerksamkeit erlangt habe, schreibe ich über das Einzige von dem ich wirklich etwas verstehe – über Kunst.

Manchmal hätte ich mir mehr von dieser Aufmerksamkeit gewünscht für interessante Projekte mit Künstlern z. B. aus der Romandie, die wegen ihrer hiesigen Unbekanntheit schlichtweg ignoriert wurden. Das Prädikat „aus der Region“ mag ja für landwirtschaftliche Produkte angehen, sehr verwundert hat mich allerdings, dass dies auch für Kultur gilt. Auswärtige Positionen müssen immer mal mit hiesigen gemischt werden, sonst haben sie keine Chancen – insofern ist diese Diskussion auch eine wertkonservative, die das alltägliche Verhalten einer Ostschweizer Kulturszene widerspiegelt.

Die Ostschweiz ist ein geschichtlich befrachteter Raum, der kulturell seit langem Hinterland ist. Es gibt andere Landstriche, die sich mit weniger Geschichte zufrieden zurückgezogen haben, um von den Früchten einer vergangenen Kultur zu leben. Ausser dem Postboten gibt es Tag für Tag nicht viel Bewegendes. Die Welt verblüffende Neuerungen und wahnsinnige Impulse für die Weltkunst entstehen woanders. Noch dazu, weil die Ostschweiz völlig akademielos vor sich hindümpelt und einem Künstler nicht viel anderes übrig bleibt, als anderswo sein Glück und seine Ausbildung zu suchen. Es fehlt der hiesige Künstlernachwuchs und diesem auch der Anreiz zurückzukehren. Auch wenn dieses Anderswo nur nebenan in Zürich liegt.

Früher mag die Situation anders ausgesehen haben. Die Schweiz setzte lange Zeit auf eine stark kunstgewerbliche, handwerkliche Tradition in der Kunstausbildung und man trifft noch heute auf eine sehr heterogene Künstlerschaft, die sich ihre Ausbildung selber zusammenzimmern musste. Darunter sind auch viele Künstler, die in Deutschland eindeutig durch das Sieb fallen würden. So konnte man auch, wenn man sich die Mühe machte, im Projektraum exex die eingereichten Dokumentationen zu studieren, feststellen, wo dieser Bruch durch die Künstlerschaft geht.

Die Gründung und der Aufbau von Kunstschulen, wie der HGKZ oder der F&F veränderten die Situation – eine Veränderung, die auch am Selbstverständnis der Künstler der verschiedenen Generationen sehr eindeutig zu bemerken ist: Es vollzog sich ein Paradigmenwechsel in der Schweizer Kunst, der gerade bei solchen Präsentationen wie dem Heimspiel sichtbar wird – das sind eigentlich Generationenkonflikte par excellence.

Die visarteost hat es mit dem Projektraum exex vorgemacht, wie die heutige Generation, die noch aus diesem Mischverhältnis erwachsen ist, funktioniert; in der restlichen visarte bahnt sich der Paradigmenwechsel langsam an. Die neue Generation ist pragmatischer, der grosse politische Kampf um Anerkennung ist gefochten und es geht wieder um die Sache selber, um die Kunst als Tagesgeschäft und aus Leidenschaft.

Bereits aus dieser Konstellation entstehen verdeckte Konflikte, die eben auch Kunstdiskurse sind. Während es früher scheinbar nicht notwendig war über den Gartenzaun zu schauen, was draussen in der weiten Welt vor sich ging, kann ich mir es als Künstler heutzutage kaum noch leisten zu schaffen, ohne die Entwicklungen der Kunstszene auf nationaler, internationaler und multinationaler Ebene zu rezipieren. Die Avantgardebewegung hat ein Negativbewusstsein für epigonale Kunst geschaffen und während in früheren Jahrhunderten Dorf- und Lüftelmaler überleben konnten, indem sie ein Leben lang Variationen von einem einmal gesehenen Thema malten, sehen sich Künstler heute einem stetigen Diskurs und einer dauernden Wertung ausgesetzt, die durch ein mediales Bild bestimmt sind.

Mit Projekten wie der 100-Franken-Show oder den letztjährigen Ostdiamanten hat der Projektraum exex im Kleinen die eine oder andere mögliche Variante des Heimspiels bereits durchgespielt und damit kunstpolitische Themen angegangen. Das Heimspielarchiv war auch bei dieser Triennale für mich der überzeugendste und gewinnbringendste Beitrag zur Ausstellung. Als Zugewanderter muss ich mir die Übersicht über die hiesige gewachsene Kunstszene erst erarbeiten und das funktioniert mit Arbeitsdokumentationen viel besser als mit auf Hochglanz polierten künstlerischen Einzelstücken.

Kuratoren folgen wie Künstler in ihrer Arbeit eigenen Vorlieben – und so ist auch nicht verwunderlich, dass über die Auswahl der Künstler des Heimspiels gestritten wird. Eine Jury ist immer subjektiv und eine Auswahl ist es auch – eigentlich wird schon bei der Einladung einer Jury die Ausstellung mitbestimmt. Ein Mitsprache- oder Einspruchsrecht einiger Institutionen bei einer Jurierung ist mir allerdings unbegreiflich.
Bisher haben mich die Jurierungen in der Schweiz begeistert – es wird wesentlich mehr über die Sache Kunst diskutiert als in Deutschland; dort herrscht der Vitamin B Konsens und der Umgangston ist weniger fair und weniger kollegial.

Bei der Neuordnung der künstlerischen Ausbildungen hat sich aber auch eine neue Spezies herausgebildet. Wer früher einfach nur Kunsthistoriker war, und sich nur für die historisch verbürgten Tatsachen der Kunstgeschichte bis etwa zu Beginn des Impressionismus interessierte, wurde dem Zeitgeist angepasst. Herauskam ein Homunculus aus Kulturmanagern und Kuratoren, beflissen aus einer „Kunstwelt“, einen „Kulturbetrieb“ aufzubauen. Um mit ihrem Tun auch Geld zu verdienen, besetzen diese frisch deklarierten Experten ehemaliges Künstlerterrain. Jüngere Künstler nehmen dies mit grösserer Gelassenheit hin, sind sie doch nichts anderes gewohnt. Dieser neu geschaffene Betrieb folgt viel stärker den Moden des Zeitgeistes aus dem er erwachsen ist und vorgelegten Geschmacksvorgaben.

Hier liegt vielleicht eine Krux dieses Heimspiels: Der Jury ist eine Auswahl gelungen, die vor allem durch ihre Videolastigkeit zum kuratorischen Notfall wurde – ein Problem, mit dem bereits die letzte documenta vergeblich zu kämpfen versuchte. Ob die Unsinnigkeiten grosser Ausstellungen im Kleinen unbedingt wiederholt werden müssen und wie mit der kuratorischen Herausforderung umgegangen wurde, sind meines Erachtens die fragwürdigen Spielzüge dieses Heimspiels.

Und dann: Die Sicherheit – wie Matthias Kuhn bereits bemerkte. Mir scheint, dass sich alle Nachteile einer relativen Sicherheit einer institutionalisierten Ausstellung bei der Betrachtung des letzten Heimspiels offenbaren. Um noch einmal die Fussballmetaphern zu bemühen: Gespielt wird rein auf Sicherheit und Bewahrung, nicht auf Risiko und Torchancen. Es geht um den Klassenerhalt, auch wenn es nur die Bezirksliga ist. Das Fieber ist abhanden gekommen, ebenso der Glaube an den Aufstieg. Die Mannschaft ist zusammengewürfelt und die Trainer gar nicht wirklich vorhanden. Wer wollte da noch darum streiten, nicht dabei gewesen zu sein?

Brandl: Offener Brief im Tagblatt zu Heimspiel 06

Nachdem ich die sogenannte "Heimspiel"-Ausstellung 2006 mehrmals und in Begleitung verschiedener Leute besucht habe, muss ich jetzt endlich klar und deutlich sagen, was alle hinter vorgehaltener Hand raunen, sich aber offensichtlich niemand öffentlich auszusprechen traut: Diese Ausstellung gehört zu den schlechtesten, die ich je gesehen habe. Sie besteht, um es auf den Punkt zu bringen, vorwiegend aus drittklassigen Unterliga-Variationen von konsens-korrektem, vor 10 Jahren trendigem Kunstwelt-Quatsch. Eine kleine Handvoll Ausnahmen bestätigt die Regel, wie z.B. Katja Schenker oder Marianne Rinderknecht. Interessanterweise handelt es sich bei diesen Ausnahmen um die seltenen echten Heimspieler (d.h., sie wohnen und arbeiten in unserer Region und sind auch wirklich in die hiesige Kunstszene involviert), welche diese Ausstellung darstellen zu wollen vorgibt. Aber ausgerechnet diese wenigen guten Künstlerinnen oder Künstler sind besonders dilettantisch präsentiert! Ich möchte die Ausstellung selber hier nicht weiter kommentieren – der Umfang einer Rezension kann ja auch ausdrücken, wieviel Worte eine Ausstellung wert ist. Hingegen werde ich mich ausführlich zu den Hintergründen äussern, welche dieses Desaster ermöglicht oder vielleicht sogar unausweichlich gemacht haben.

Als ich mich mit einer ehemaligen Kunsthalle-Kuratorin über die Ausstellung unterhielt, schlug sie in die sattsam bekannte Kerbe und meinte, ich hätte vergessen, dass es die Aufgabe der Kuratoren in der Provinz sei, die lokalen Künstler durch die Konfrontation mit Einflüssen von aussen zu erziehen. Ein völliger Schwachsinn. Diese Art von "Belehrung" ist in unserer global vernetzten Gemeinschaft völlig überflüssig. Die meisten von uns, die ausserhalb der städtischen Zentren leben und arbeiten, wissen sofort alles, was dort geschieht. Normalerweise habe ich unmittelbar in New York gesehen, was sich dort tut; und dann werde ich acht bis zehn Jahre später in St. Gallen darüber "belehrt". Wobei dieser Unterricht schlicht darin besteht, uns zu sagen, vor welchen kuratorisch korrekten und momentan anerkannten Tendenzen wir in die Knie fallen sollten – die unausgesprochene, aber deutliche Aussage lautet: "Schaut her, ihr Provinzler, auch ihr könntet in dieser Ausstellung sein, wenn ihr nur bereit wärt, die momentan akzeptablen, von den Kuratoren als massgeblich eingestuften Künstler zu imitieren!". Eine Art von "Bestseller auf dem Plattenteller" des Kunstbetriebs, oder noch banaler: "Die Kunstwelt sucht den Superstar".

Wie Alex Meszmer meint, steckt dahinter das Streben nach "ein bisschen Documenta – oder New York – endlich auch für alle Provinzen". Aber diese Ausstellung wirkt wie die New Yorker Ausstellungen in den späten 1980er Jahren! Ganz nach dem Trend der Kuratoren, aber einfach gut und gerne 20 Jahre zu spät. Das einzig Schlimmere als trendy zu sein ist verspätet trendy zu sein, und es beweist in diesem Fall, dass die Juroren und Kuratoren die Provinzler sind, nicht die Künstler. Übrigens ist das Wort "trendy" im Englischen ein Schimpfwort und bedeutet nicht "auf der Höhe der Zeit", sondern so etwas wie "kopflos dem letzten Schrei nachrennend". Ich teile völlig die Ansicht von Mezmer: "Man zeigt schlechte Kopien von Arbeiten international arrivierter Künstler, tut aber, als existierten diese nicht." Und das mit der erwähnten, ganz unverhüllt beleidigenden Absicht, die lokalen Künstler in ihre Schranken zu weisen.

Im Moment sieht es wirklich danach aus, als ob die Kunsthalle und ähnliche Institutionen in einer Art von elitärem Sozialprogramm zur Entwicklung von Kuratorenkarrieren dienten. Vielleicht könnten sie statt dessen manchmal auch für die Entwicklung von Kunst und Künstlern eingesetzt werden? Ist dies zu viel verlangt? Zumindest in Ausstellungen, welche angeblich der Darstellung des aktuellen Kunstschaffens der Region gewidmet sind?

Aber wie müsste eine brauchbare Ausstellung von Ostschweizer Kunstschaffenden aussehen? Zunächst sollte sie jährlich stattfinden und echt regional ausgerichtet sein. Wie H.R. Fricker richtig bemerkte, haben wir Künstler nur selten die Gelegenheit, gegenseitig unsere Arbeiten zu sehen, da wir nur selten in der Kunsthalle gezeigt werden, da es nur selten Retrospektiven regionaler Künstler gibt, usw. Es wäre für uns eine grossartige Gelegenheit, jährlich zu sehen, was die anderen produzieren, die eigene Arbeit damit zu vergleichen, ja sogar miteinander in einen Wettbewerb zu treten, aber mit fairen Regeln, wo nicht schon heimlich im Voraus festgelegt wurde, wer gewinnen wird und deshalb am meisten Raum kriegt. In anderen Kantonen ist das möglich, auch in anderen Städten und anderen Ländern. Weshalb nicht in St. Gallen?

Sicher trifft zu, was Matthias Kuhn geschrieben hat: "Man würde es vielen zu Hause gebliebenen Kunstschaffenden wünschen, es hätte ihnen irgendwann einer einen Tritt in den Arsch gegeben und sie aufgefordert, ihre Kunst draussen in der Welt zu erproben. Wir hätten weniger schlechte Bewerbungen im Heimspiel-Archiv." Allerdings kann das nur dann geschehen, wenn die Einheimischen zuerst einmal hier ausgestellt werden und sich im lokalen Rahmen behaupten müssen; wenn man sie ernstnimmt und auch ernsthaft kritisiert. Es trifft eben auch zu, was Kuhn weiter sagt: "Der Titel 'Ostschweizer Kunstschaffen 2006' für die Ausstellung im Kunstmuseum, der Kunsthalle und im Projektraum exex ist verfehlt. Oder er weckt falsche Erwartungen. Die meisten teilnehmenden Künstlerinnen und Künstler leben nicht in der Ostschweiz." Es dürften also wirklich nur Kunstschaffende aus St. Gallen, den beiden Appenzell und Thurgau involviert sein, Leute, die hier leben und arbeiten. Die immense Ausdehnung des einbezogenen Gebiets, das Kriterium des Bürgerorts für Teilnehmende mit kaum einem lebendigen Kontakt zu unserer Region zielt offensichtlich darauf ab, die lokalen Kunstschaffenden zu beleidigen und aus dem Rennen zu werfen.

Ein fundamentales Problem stellt die Jurierung. Es wird immer wieder die Behauptung aufgestellt, dass es sich bei den Juroren um Aussenseiter, also um Unparteiische handle. Ich bitte um Verzeihung, wenn ich für einen Moment überheblich bin: Die ganze Schweiz ist ungefähr so gross wie Los Angeles, also ist diese Unparteilichkeit schlicht unmöglich. Die Schweizer Kunstwelt, ja sogar die globale, ist eine überschaubare Gemeinschaft mit eng verquickten Interessen.

Was nötig ist, ist ein neues kuratorisches Konzept, z.B. echte Kuratorenarbeit, die heute kaum mehr geleistet wird. Das bedeutet, dass ein Kurator oder mehrere, die sich in der Region auskennen, ganz offen die Künstler besuchen, die Sachen auswählen, die ihnen gefallen, und damit eine Ausstellung machen – und mit ihrem Namen für das Gezeigte einstehen. Ganz sicher würden sie sich der Kritik aussetzen, aber auch Zustimmung und Beifall erhalten, und es gäbe keine verlogenen Vorspiegelungen von Unparteilichkeit und dergleichen. Jedermann wüsste: Das ist die Ostschweizer Ausstellung, wie Soundso sie sieht. Es geht darum, Verantwortung zu übernehmen. Ich habe mich mit verschiedenen Künstlern und Kunstliebhabern in der Ostschweiz zusammengesetzt, z.B. mit Jan Kaeser, Alex Mesmer und anderen, die nicht genannt sein möchten, sogar mit Kuratoren. Unabhängig voneinander schrieben wir eine Liste von Kunstschaffenden, ernstzunehmenden Kunstschaffenden, die uns spontan als Teilnehmer einer regionalen Ausstellung einfielen. Wir hatten schnell je eine Liste von ca. 30 Namen zusammen, und unsere Listen waren praktisch identisch! Es wäre also gar nicht so schwer, eine seriöse Auswahl zu treffen, sofern man über Mut und Unabhängigkeit verfügt.

Ganz im Gegensatz dazu war das "Heimspiel" weitgehend auf die Vermeidung von Verantwortlichkeit angelegt. Offene, nicht klandestine Verantwortlichkeit. Viele Schweizer Kollegen haben mich gewarnt und gesagt, dass dies in der hiesigen Kunstwelt sehr schwierig sei, dass man es vorziehe, im Verborgenen und hinter dem Rücken der Anderen die Fäden zu ziehen, dass man es nicht wage, seine wahre Meinung offen auszudrücken, und dass ich für meine öffentliche Kritik mit irgendwelchen Intrigen gegen mich zu rechnen haben werde. Ich glaube nicht, dass dieser Eindruck zwingend wahr ist. Ich meine, dass eine öffentliche Diskussion möglich ist, und ich möchte sie mit dieser Stellungnahme eröffnen. Und ich meine, dass es an mir liegt, an die Öffentlichkeit zu treten, weil ich als Künstler ohnehin vorwiegend ausserhalb der Ostschweiz tätig bin und weil ich an den meisten dieser "Heimspiele" vertreten war. Ich kann mich persönlich über die Behandlung durch die regionalen Kuratoren und Kunstgemeinschaft nicht beklagen. Wenn sich jemand anders wehrt, wird man es als "Saure Trauben-Syndrom" abtun, was in meinem Fall kaum möglich ist. Ich äussere meine Kritik hier und auf diese Weise aufgrund meiner Einsicht in die Gegebenheiten, aus moralischer Verantwortung und dem Bedürfnis nach Redlichkeit. Die Diskussion unter Künstlern hat übrigens bereits begonnen, zusammen mit Matthias Kuhn und Alex Meszmer, auf unserer Ostschweizer Kunst-Diskussions Blog Site, dem "Swiss Art Sharkforum". Besuchen Sie die Website und beteiligen Sie sich daran! Und auch für die lokale Presse könnte es von Interesse sein, sich aus erster Hand Informationen darüber zu beschaffen, was die Beiträge und Anliegen der regionalen Künstler sind.

Was wir unverkennbar dringend brauchen, ist ein offenes und klares Gespräch über diese Ausstellungsreihe und darüber, was nötig ist, um eine echte Ausstellung des Ostschweizer Kunstschaffens ins Leben zu rufen. Ausstellungen wie diese und ihre Vorgänger (bei denen auch meine Kunst oft dabei war, wie gesagt) sind nur wenig verhüllte Beleidigungen für die Künstler und Künstlerinnen, die hier wohnen und arbeiten. Ausstellungen wie das „Heimspiel" müssen im Dienst der Kunst existieren, die hier geschaffen wird; sie sind nicht dazu da, um als kuratorische Werkzeuge das regionale Schaffen zu demütigen. Diese Ausstellungsreihe hat nichts damit zu tun, was sich Josef Felix Müller und die übrigen von uns vorgestellt haben, als wir diese Ausstellung gemeinsam aus der Taufe gehoben haben. Die Künstlerinnen und Künstler von Visarte, die Künstlerinnen und Künstler von exex und alle anderen Ostschweizer Kunstschaffenden müssen sich zusammensetzen und Ideen für eine authentische, positive, das Potential der Ostschweiz stärkende Ausstellung ausdenken. Wie muss eine wirkliche Ausstellung des Ostschweizer Kunstschaffens aussehen?

Unter das Niveau des "Heimspiels 2006" kann sie jedenfalls nicht sinken.

Kuhn: HEIMSPIEL 06 - Auswärtsspiel vor heimischem Publikum - Einige Abschweifungen

Noch einmal Heimspiel. Nachdem Meszmer bereits an der Wursttheke gespiesen und dann ziemlich verständnislos und schnöd über das Ostschweizer Kunstschaffen 2006 berichtet hat und nachdem man in der Lokalpresse die übliche endlose Aufzählung von Namen lesen konnte, ein who-is-where des St.Galler Heimspiels gewissermassen, ohne den geringsten Ansatz zu einer Kritik, und nachdem man in der überregionalen Presse dieses Spiel kaum zur Kenntnis genommen hat ... Also dann, noch einmal Heimspiel ...

Ein Heimspiel ist, wenn der heimische Klub im eigenen Stadion vor dem eigenen Publikum spielt. Man hofft dann auf den Heimvorteil und rechnet mit einem deutlichen Heimsieg. Alles andere wäre, grad in St.Gallen, eine Überraschung. Man kennt das: Das Publikum schreit und peitscht den eigenen Klub zum Sieg. Die andere Spiele sind Auswärtsspiele. Da sind dann von den eigenen Fans nur die eingefleischten dabei und das Spiel wird, eben vor dem Heimpublikum des Gegners, um so schwerer.

Zum Sport gibt es in der Ostschweizer Kunst diesen Dezember und Januar keine Parallelen. Also ist der Titel für die Ausstellung Ostschweizer Kunstschaffen 2006 im Kunstmuseum, der Kunsthalle und im Projektraum exex verfehlt. Oder weckt falsche Erwartungen. Die meisten teilnehmenden Künstlerinnen und Künstler leben nicht in der Ostschweiz und kehren nur für die Heimspiele in den Osten zurück. Und um sich für Stipendien zu bewerben gern auch zwischendurch. Alles nicht weiter schlimm: Denn die meisten wurden gezwungen wegzugehen. Zum Beispiel um Kunstausbildungen zu machen. Und auch klar, dass diejenigen, die nach Abschluss ihrer Studien wieder zurückkehren, in der krassen Minderzahl sind. Macht auch nichts: Man würde es vielen zu Hause gebliebenen Kunstschaffenden wünschen, es hätte ihnen irgendwann einer einen Tritt in den Arsch gegeben und sie aufgefordert ihre Kunst draussen in der Welt zu erproben. Wir hätten weniger schlechte Bewerbungen im Heimspiel-Archiv. Schliesslich braucht die Kunst den Test und die Reibung. Kunst die sich der Konfrontation entzieht ist selbstgenügsam, selbstgefällig und in den meisten Fällen unbedeutend. Wohl verstanden, nicht für die Künstlerin, den Künstler persönlich, sondern für einen zeitgenössischen Kunstdiskurs.

So ein Heimspiel hat also zwei Seiten. Durch den Reimport von quasieinheimischen Künstlerinnen fehlen die Plätze für die guten einheimischen Künstler. Wer die Listen der Bewerberinnen durchgeht, findet schnell eine ganze Reihe von Namen, die unbedingt hätten vertreten sein müssen in der Schau. Kunstschaffende, die seit Jahren in der Ostschweiz leben und kontinuierliche, professionelle Arbeit leisten. Von ihnen hätte man gerne nach drei Jahren zu Hause wieder etwas gesehen, vielleicht zu wiederholtem, vielleicht zum ersten Mal. Ein echtes Heimspiel eben und ein Test dazu: Vor den Freunden hat man schliesslich nicht nur den Heimvorteil, sondern ist immer auch besonders kritischen Kennerblicken ausgesetzt.

Natürlich ist es eine dringende Notwendigkeit für Anlässe wie ein Heimspiel die Künstlerinnen von auswärts zurück in die Ostschweiz zu bringen und damit Verbindungen zu reaktivieren, die vielleicht verloren waren. Es geht dabei um jene Künstler, die in Zürich, Genf, Basel, Düsseldorf und so weiter studiert haben und dadurch längere Zeit abwesend waren. Ihre Erfahrungen, vor allem an Kunsthochschulen und im Austausch mit anderen Kunstszenen sind für die Ostschweizer Kunstprovinz von unschätzbarem Wert. Diese Idee rechtfertigt auch den Umstand, dass die Vorarlberger zum zweiten Mal Gast am Heimspiel sind. Die Ostschweiz gewinnt dadurch beträchtlich an Boden: und reicht im Osten jetzt mindestens bis Wien!

Beide Aspekte sind zum Beispiel für die Arbeit im Projektraum exex integraler Bestandteil der vermittelnden Arbeit: Die Konfrontation regionaler mit überregionalen Positionen. Im exex allerdings geht das Konzept von streng kuratierten Ausstellungen aus und erweckt nicht in öffentlichen Ausschreibungen die Hoffnung, dass der Raum für alle offen sei. Denn das ist er nicht! Ein Kuratorinnenteam steht letztlich auch für die Qualität des Programms ein. Das ist im Heimspiel anders. Die Ausschreibung suggeriert eine breite regionale Abstützung nicht nur auf organisatorischer Basis, sondern auch auf künstlerischer. Die einheimischen Künstler stellen dann regelmässig nach Veröffentlichung der auserwählten Namen fest, dass die Region wieder einmal zu kurz gekommen ist ... während Auswärtige das hohe Niveau der Dreijahresschau loben.

Ob es die Angst ist, dass das Niveau des Heimspiels unter ein erträgliches Mass sinken könnte, wenn man den Titel der Schau allzu wörtlich auslegen würde, oder ob es tatsächlich so ist, dass die einheimische Kunst nicht nur quantitativ, sondern eben auch qualitativ nicht ausreichen würde eine grosse triennale Schau zu bestücken, sei dahingestellt. Aber vielleicht würde es sich lohnen mit der Form, die wir jetzt drei Mal identisch durchexerziert haben, ein bisschen herumzuexperimentieren.

Dazu nur mal schnell ein paar Ideen. Vielleicht mit einem neuen Jurierungs-Prozedere? In der Ostschweiz ist es eine zu hundert Prozent auswärtige Jury, die die Teilnehmerinnen auswählt (wobei seit dem ersten Heimspiel nicht ganz klar ist, was unter dem Mitsprachrecht und der Beratungsfunktion der Institutionen zu verstehen ist). Im Kanton Graubünden ist die Jury beispielsweise zusammengesetzt aus einheimischen und externen Sachverständigen, während in Basel die teilnehmenden Häuser je eine Jury stellen, die für die eigenen Räume aus den Eingaben Teilnehmer auswählt. Glarus dagegen zeigt im Kunsthaus seit Jahren unjurierte Ausstellungen. Dieses Jahr sind die Künstler von R bis Z an der Reihe. Und ein wesentlicher Unterschied: alle erwähnten Institutionen richten ihre Übersichtsausstellungen jährlich aus. Und auch nur nebenbei: Die erwähnten Vorgehensweisen garantieren weder für eine gleichbleibend hohe Qualität der Jahresschauen (der Jahrgang 2006 zeigt dies überdeutlich), noch für eine grössere Zufriedenheit unter den einheimischen Künstlern.

Oder müsste man die Teilnahmebedingungen überdenken? Vielleicht wären Medien- (Malerei, Video und so weiter) oder Regionalschwerpunkte (Fürstenland, Rheintal und andere) eine Idee? Und dann auch Teilnahmen der Kunsthalle Wil, des Shed im Eisenwerk Frauenfeld, der in Gründung begriffenen Kunsthalle Toggenburg in Wattwil (und selbstverständlich anderer Institutionen zwischen Rapperswil und Kreuzlingen) ein Thema. Kann ja sein, dass eine Dezentralisierung des Heimspiels der Provinz eher entspricht als der Zusammenzug der Szene in der Kapitale.

Oder eben: man unterscheidet für einmal zwischen dem Heimspiel und dem Auswärtsspiel und macht das Thema explizit. Zuerst ein echtes Heimspiel: Was bedeutet es in der Ostschweiz zu arbeiten, hier zu bleiben? Wie kann das gehen? Hält man das überhaupt aus, und wenn ja, wie? Und im andern Jahr das Auswärtsspiel: Was zwingt einen wegzugehen? Und was hindert die meisten daran zurückzukommen? Und vielleicht kehren wir dann im dritten Jahr zum aktuellen Modell zurück: Weil man daran am besten zeigen kann, wie das mit der Kunst auf dem Lande funktioniert .... Und im vierten Jahr mieten wir selbstverständlich ein grosses Industrieareal und machen die seit längerem vermisste unjurierte Jahresausstellung und veranstalten einen bunten Zirkus des Ostschweizer Kunstschaffens!

Platte Wahrheit: Alle Künstlerinnen werden nie zufrieden sein mit den Heimspielen. Vor allem wenn sie von auswärtigen Jurys übergangen wurden. Auch die beteiligten Institutionen werden mit den Heimspielen immer Ausstellungen auszurichten haben, die sie kuratorisch nur zum Teil mitverantworten können. So viel ist klar. Aber vielleicht können wir in der Ostschweiz mit einem neuen Vorgehen, das von den Erfahrungen aus den drei Heimspielen profitiert ein neues Modell lancieren, das den Gegebenheiten besser gerecht wird und wieder für Überraschungen gut ist.

Denn genau das ist die grösste Kritik am HEIMSPIEL 06: Alles auf der sicheren Seite, viele sichere Werte, sehr hohes Niveau, klar, aber keine Überraschungen. Und das kann und will man einfach nicht glauben, dass der Osten für keine Überraschungen mehr gut ist ...

Max: Heimspiel 06 in St Gallen: 1:2 für das Kunstmuseum

Heimspiel 06 - Ostschweizer Kunstschaffen - das ist der Titel, der alle Kunstschaffenden in den Ostschweizer Kantonen und Vorarlberg zum schwitzen bringen soll: Alles stehen und liegen lassen, sich endlich mal wieder mit der Konkurrenz messen und vielleicht ein kleines Stück vom Glück, ein bisschen Glanz vom Kranz abbekommen und das eigene Werk ins Museum stellen können - so würden es die Veranstalter gerne sehen. Doch was erwartet uns in den heiligen Hallen?

Die Liste der Künstler versprach Bekanntes ohne grosses Risiko. Beim Betreten des Kunstmuseums fielen mir als erstes die kulinarischen Freuden des üppigen Buffets in die Augen und beinahe war ich versucht mich daran zu laben, statt mich der Kunst hinzugeben. Trotzdem stieg ich die Treppe hinauf, die Gunst der Stunde nutzend und den Wortschwall im muffigen Keller meidend, nur Wenige taten es gleich um sich die Arbeiten in Ruhe anzusehen.
Jedoch, was geboten wurde war enttäuschend.

Und es ist nicht die Kunst, die enttäuscht. Der waltende kuratorische Overdrive hat alle Positionen, die im Museum vorgestellt werden glattgebügelt und auf Einheit getrimmt. Die einzelnen Arbeiten können sich nicht mehr behaupten und gehen unter im immer gleichen langweiligen Mittelmass, das als Präsentationsstandard vorherrscht. Alles ist sauberst gerahmt, hübschest arrangiert und artigst vermusealisiert. Die Kunst wird kuratorisch enthauptet, für die Ausstellung hygienisch verwurstet und wie beim Metzger um die Ecke fein häppchenweise arrangiert - grad so, dass sich eine schöne Museumsführung arrangieren lässt.
Das ist nicht nur gähnend langweilig, sondern tut auch den einzelnen Positionen nicht gut, die im allgemeinen Wurstsalat untergehen. Eine kleine zerstückelte Version des "kleinsten Gipfeltreffens der Welt" der Gebrüder Riklin ist unschön in eine Ecke gedrängt und im grossen Saal, der zu einem abgedunkelten Riesenkabinett umgewandelt ist, stehen ein paar Videoinstallationen herum wie gelangweilte Fische im Aquarium.
Alexandra Maurers Arbeit habe ich eine Weile gesucht und fand sie auf einem Fernsehbildschirm vertreten, neben anderen: Goldfischglas an Goldfischglas - ohne Sauerstoff zum Atmen.
Arno Oehris Arbeit wirkt wie ein Plakat für Alex Hanimanns Videokabine und die äusserst seltsam und unmotiviert platzierten Schildchen tragen das ihrige zur Verwirrung bei.
Schade eigentlich. Es bleibt nichts wirklich im Gedächtnis, denn alles perlt ab von der aseptischen Oberfläche des übereifrigen Arrangements.

Dass es auch anders geht zeigt die Kunsthalle. Dort ist alles nach dem Kuddelmuddelprinzip drüber und drunter arrangiert und vor allem der Sound der einzelnen Installationen vermischt sich zu einem schier unerträglichen Lärm, der es schwierig macht die Töne ihren Quellen zuzuordnen. Doch hat die etwas dilletantische kuratorische Vorgehensweise einen grossen Vorteil: Man beginnt genauer zu schauen, zu untersuchen und muss etwas Mühe aufwenden beim Betrachten. Die Werke beginnen miteinander zu kämpfen und müssen sich gegeneinander behaupten. So lassen sich Entdeckungen machen, die den Arbeiten ihren Eigenwert wieder geben: Hier darf der Betrachter selber entscheiden, wofür er sich interessieren möchte!
André Bless' Wassertropfen geht fast unter im Getöse und überrascht, wenn man ihn entdeckt.
"The Big One" von Com+Com streitet sich im offenen Farbabtausch mit Peter Stoffel und Walter Burgers kleine Scheunen stehen in der Ecke wie ein vorlauter Schüler aus der 2.Klasse.
Eva Kindlimanns bezaubernde kleine Arbeiten sind mit zwei Museumsbuchvitrinen so lausig im Raum platziert, dass sie den Betrachter ganz für sich einnehmen können, ebenso Aurelio Kopainigs Installation, die dadurch ihren Versuchscharakter nur noch verstärkt.

Kunst kann für sich selber stehen, das scheint mir das Fazit des Abends zu sein und Kunstwerken wirklich die Chance zu geben, sich frei entfalten zu können, sollte eigentlich die Vorgabe für jede Ausstellung sein.
Warum will ich denn sonst Kunst ausstellen, wenn ich ihrer Wirkung nicht vertraue?

Die Jury hat den Kuratoren eine schwierige Auswahl präsentiert, denn auch diese Schau ist sehr videohaltig. Dass dies nicht unbedingt besucherfreundlich ist, hat man im grossen Rahmen 2002 an der Documenta in Kassel erleben können. Ob diese Vorgabe inzwischen auch ausschlaggebend für die Zusammenstellung einer Ausstellung wie das Heimspiel war (ein bisschen Documenta endlich auch in allen Provinzen) oder ob die Kasseler Schau die Künstler überall in der Wahl ihrer Techniken beeinflusst, sei dahingestellt.

Ein wenig abseits im Projektraum exex präsentiert sich Alexander Hahn. Er passte wohl nicht ganz in das kuratorische Konzept der anderen beiden Institutionen. Ausserdem bietet das exex wieder einen Einblick in die Sammlung aller eingegebenen Portfolios: Dort kann man in Ruhe im Archiv des Ostschweizer Kunstschaffens kramen und Entdeckungen machen - vielleicht sogar die interessanteren.

Urs Küenzi bietet im Projektraum exex auch einen Crash-Kurs zur Erstellung einer perfekten Künstlerdokumentation an. Vielleicht wäre ein Crash-Kurs für Kuratoren auch noch eine gute Idee gewesen. (max)

Post Scriptum:
Was das Heimspiel zeigt, ist, dass es auch in der Provinz sehr gute künstlerische Positionen geben kann. Das Grundproblem einer Übersichtsschau ist und bleibt immer, dass es ein Gemischtwarenladen wird, der eigentlich eine kuratorische Herausforderung sein könnte.
Warum muss die Provinz immer so tun, als ob sie auch das Grosse kann? Können wir nicht endlich auch mal dazu stehen, dass wir Provinz sind und dort auch gut leben?
Warum müssen wir uns immer an den grossen Vorbildern anlehnen und deren unsaubere Ideen kopieren?

Zusätzlich schleicht sich durch die Hintertüre das Schollenproblem: Die eigene Scholle bewirtschaften, sehr eifersüchtig über die Erfolge der anderen wachen und schauen, dass man selber nicht zu kurz kommt und dabei so tun, als ob es die Welt da draussen nicht gebe (auweia - ich hab so Angst mal den eigenen Kanton zu verlassen)...
Herrgottnochmal - die Kunst wurde vor der Ostschweiz erfunden und es wird sie auch noch geben, wenn der Säntis längst platt ist und im Meer versunken sein wird. Und ich bin es leid dauernd schlechte Kopien von Künstlern zu sehen, die international bekannt sind, während man so tut, als würden diese nicht existieren.(So das musste auch mal sein).

Die ganzen politischen Probleme die bei dieser Diskussion mitschwingen, wie zum Beispiel, welcher Kanton mit wievielen Künstlern vertreten ist, welcher Kanton wieviel Geld zu diesem Spektakel zusteuert und wie die eigenen Künstler gefördert werden, das ist eine Diskussion, die ich aussen vor gelassen habe. Sie muss diskutiert werden, denn spätestens an diesem Punkt wird die ganze Organisation fragwürdig - allerdings besser während der Ausstellung oder sofort danach, denn dann werden die Weichen gestellt für die nächste Show in drei Jahren.

Die Institutionen Kunstmuseum und Kunsthalle können sich durch das Heimspiel einen schönen Batzen Vorteil herausholen: übertreffen doch die Besucherzahlen dieser Ausstellung alle anderen Projekte, die sie sonst präsentieren und sie bekommen eine kostengünstige Ausstellung geliefert. Für soviel Eigennutz wäre auf alle Fälle Sorgfalt gefragt.
Die Umsetzung des Heimspiels überzeugt nicht und hat es auch vor drei Jahren nicht wirklich getan. Was herausgekommen ist, ist eine gelungene desinfizierte Wursttheke, mehr auch nicht.
In jedem Fall stellt sich die Frage, wie es besser gemacht werden könnte. Auf diese Diskussion bin ich gespannt und möchte sie gerne eröffnen.

Brandl: The Nine Arts and the Nine Muses

There are traditionally Nine Muses and Nine Arts, frequently linked to one another. My Latin professor Dr Clemens Müller and I have concocted a fresh, contemporary version of this system for no darn reason other than pure, arcane fun.

In Greek mythology, the Muses are nine goddesses who personify fields of artistic endeavor. They are used in modern times to refer to inspiration, often with creators half-jokingly referring to their own personal artistic muse, as if they were a form of quirky guardian angel with endless numbers but unpredictable demands. In addition, the word amuse has its roots in their name.

The number of Muses began as three, quickly expanded to four and finally, still in ancient Greek times, to nine. The Muses were not assigned standardized divisions of poetry/song until late Hellenistic times. The assignments themselves were not completely hard and fast even then. Apparently, in the 19th century, that age of grand systemizing, various "duties" and forms of art were assigned to them, with which they are now identified, although there are several versions of the system.

Likewise, traditionally, there is a numbered list of the Arts. The number itself has varied widely, from five to nine, generally. Originally they were all versions of poetry and literature, with the addition of dance, comedy (theatre), tragedy, and usually history and astronomy. To the ancient Greek, all forms of literature were forms of poetry, and therefore of music, as poetry was sung. Ricciotto Canudo, an Italian film theoretician living in France, claimed in 1911 that film was the sixth art. Later, Canudo renumbered his list, in the article Reflections on the Seventh Art, making film the seventh. Then, in 1964 Claude Beylie, a leading French film academic, said that comics were the ninth art, as Beylie felt that television was the eighth.

As I said above, the Muses, usually nine, were often assigned art forms, especially in the 19th century. This activity began to cross with that of numbering the arts to produce various strange and enchanting lists. One common one was the following:

Calliope was the muse of epic poetry. Clio was the muse of history. Erato was the muse of love poetry. Euterpe was the muse of music. Melpomene was the muse of tragedy. Polymnia was the muse of sacred poetry. Terpsichore was the muse of dance. Thalia was the muse of comedy. Urania was the muse of astronomy.

However, nowadays it is usually different — we see history and astronomy as sciences, so Clio and Urania have to get other jobs. Additionally, we see all poetry as one art form, so Calliope, Erato and Polymnia have overlapping functions. We also think theatre is one thing, not comedy and tragedy as separate, so Thalia and Melpomene have to work together.

Taking into account current divisions, utilizing Clemens' vast knowledge (he is also a scholar of ancient Greek), thus considering the meanings of the Greek names of the Muses, here is Clemens' and my list, for our Postmodern times:

Shark Version

The Nine Arts and Nine Muses

1) painting (including drawing and photography) — Polymnia
2) sculpture (including installation) — Clio
3) theatre — Melpomene
4) architecture — Urania
5) music — Euterpe
6) dance — Terpsichore
7) literature — Calliope
8) cinema ("moving images" in whatever technological format,
so also TV, video, etc.) — Erato
9) comics (now universally called the ninth art, the only really fixed
"number term" nowadays, and the most recent) — Thalia

Some notes:
Polymnia, all painting is somehow sacred, celebrates vision; her name means "many hymns," but is not exclusively sacred, it also means "many songs of praise," "many paeans," "many expressions of joy." That's painting to me. Drawing as an aspect of painting is clear, but also photography is, I believe, indeed photo-graph-y, i.e. "drawing with light," thus a form of painting.
Clio, sculpture was originally born of works of commemoration, seeking "monumental presence." A solid remembrance, related to Mneme, the unnamed precursor of the Muses, the Muse/goddess of memory. Clio's name is from the root meaning "recount" or "make famous".
Melpomene, because tragedy is clearly now the queen of drama. There is an enduring tradition of paintings of famous actresses posed as Melpomene.
Urania, " heavenly measure," mathematics embodied, is now more architecture than astronomy.
Euterpe, she keeps her original job, which was one of the few rather fixed points, and her name means rejoicing/singing well, singing with delight, to please well.
Terpsichore, she too keeps her traditional assignment, and her name fits it well ("delight of dancing").
Calliope, because literature, whose queen is nowadays the novel, was all born of epic poetry; "beautiful-voiced," "beautiful speaking.".
Erato, well, you know --- love stories, eroticism, reigns in movies; even the fact that "eros" implies a more superficial form of love seems appropriate; one of her sites was a pilgrimage place for star-crossed lovers in ancient times; her name means something close to "lovely."
Thalia, (meaning “blooming,” "flourishing," the amused muse), because the term for comics in most languages (incl. comics, funnies, manga, etc.) is a form of "comic story" or "amusing art."

Image: The Dance of Apollo with the Muses, by Baldassare Tommaso Peruzzi, early 1500s

Herbert Kopainig: Publication-Artwork/GastBlog aus LA

Belcher, from the UK: Terra Incognita???.....hardly...

Terra Incognita: Parade 1: Review



First of the Angel Row Nottingham's attempts (finally) to showcase the best art in Nottingham and adjacent ’shires’. As the work was ‘curated’ out of that submitted it gives a partial overview of where the City and surrounds stands in the ‘international art world’ or IAW for short. This particular IAW is spoon fed to artists, educators and students as the only IAW i.e. the one that is commercially viable or supported by government subsidy. IAW is depicted and debated intensely in the kind of magazine you find in the resource room of the Angel Row Gallery.

The first thing that struck me on entering this show was that it certainly looked like a show in Miami, Dusseldorf or Madrid. There was an entertaining mix of genres. Projection, TV/video, painting and floor pieces. This fitted neatly into the kind of pictures the IAW likes to classify itself by….adventurous, cross-border etc etc.

But what of the work’s actual quality? Well the most striking and probably most effective piece was Anita R Mudaliar’s cut and paste black and white children’s book illustrations projected on the wall. Not only a genuinely creepy piece but one which grabbed your attention and did not let it go. The kabbalistic floor-pieces were slight, the ‘Silesia’ paintings were too close to Richter in Godley’s case to be truly original and he has better work elsewhere..these are playing to the gallery. The other painter was let down by bad placing and the photographs seemed to be straight out of the local college textbook of slightly surreal and oblique. Simon Withers collages without the content were a good idea realised badly and again suggested some back issue of Frieze or Artforum than a genuine match of form and content.

The curation was tight and there did seem to be a genuine attempt to mirror the trendy title.. 'terra incognita' indeed.. sadly not this particular world as it is one I have seen many times before and it’s called the IAW. There is a wealth of other ‘art’ and other experience in this corner of England but it did seem ( subsequent shows showcasing the same artists) that work was selected for its ability to mimic the curator’s ( all outsiders ) approach and wishes rather than a genuine attempt to grasp the realities of the place.
Taking chances is not in the developing curatorial remit perhaps.

On a positive note the sheer fact of having taken the plunge (financial practicalities and local politics aside..would this show ever happened but for the regenerative fallout of CCAN?) meant that we got to see a fairly thin slice of the art being produced here that believes it can be IAW compliant. Is it good? To be frank much of it was good enough but none of it was excellent. Nobody here is ever going to be A-List and that not carping that an aspect of reality that sometimes lost in the thrill of exposure. More realism about prospects, more interaction of good local artists with education and community and we have a better future. Without raining on the parade Nottingham and its artists and its people deserve and should get better.

Max: Kulturmedien trocknen aus!

Eine kleine Anmerkung am Rande, weil es gerade wieder mehr als aktuell ist:
Unbemerkt schleicht die Verarmung der Kulturmedien daher. Nachdem das Tagblatt den Kulturteil merklich zusammengestrichen und Teile fast unbemerkt unter den Tisch fallen lies, zieht die Thurgauer Zeitung nun nach. Von Kulturredaktionen mag man da kaum noch sprechen, eher von Agenturberichtverwaltungspositionen. Abgesehen davon, dass wichtige Arbeitsplätze im Kulturbereich einfach so verlorengehen, verstummen für uns Kulturschaffende wichtige Möglichkeiten unsere Arbeit in der Öffentlichkeit bekannt zu machen.

Die Thurgauer Kunstgesellschaft hat in ihrer letzten Sitzung auf diesen Umstand aufmerksam gemacht (TZ 23.1.07). Eine lebendige Kunstszene braucht die Medien zur Unterstützung ihrer Arbeit, denn diese wird erst durch Vermittlung bekannt. Und das ist in der Provinz wichtiger denn je. Vor allem in einer so aktiven wie in der Ostschweiz!

Richi K: Slam: Immer noch besser als Kunst

Slam: Immer noch besser als Kunst, hiess es da von anonym in einem Kommentar zu meinem letzten (ersten) Blog. Wie soll das denn zu verstehen sein? Besser ist ja grundsätzlich gut, besser als irgendwas zu sein ist ja schön und vermutlich sollte es ein Kompliment sein (sicherheitshalber mal einen schönen Dank an anonym) oder war es doch eher ein Schienbeintritt an die Maler und Gestalter in diesem Forum und das „immer“ ist als „immerhin“ zu nehmen? Wie dem auch sei, aber Slam soll besser als Kunst sein? Slam soll keine Kunst sein? Seit wann wird denn Literatur, Poesie und Schriftstellerei nicht mehr als Kunst betrachtet?

Aha, wird mancher da wohl denken, jetzt lehnt sich da aber einer weit zum Fenster raus. Poetry Slam mit Literatur und Schriftstellerei in Verbindung zu bringen, jetztaberauch! Diese Gassenspracharbeiter, diese verhinderten Comediens und zu spät geborenen Beatniks machen doch nur den Hampelmann vor einem unkritischen Publikum. Da kann man kaum von Lyrik sprechen oder von Poesie.

Zugegeben: Poetry Slam ist eine offene Bühne, jede und jeder kann mitmachen und deshalb wird wohl auch alles zu sehen und hören sein. Und nochmals zugegeben: Poetry Slam soll Unterhaltung sein, ein etwas ganzheitlicheres positiveres Erlebnis als eine Welteruntergangsdepri-Lyrik-Lesung mit still in sich selbst versunkenem Publikum. Und doch: Ich bestehe darauf. Poetry Slam ist Kunst. Poetry Slam ist den Klang der Worte erforschen, Sprachrhythmen entdecken, Stimmungen entwickeln und einen Text so zu transportieren, wie es dessen Inhalt auch verdient. Poetry Slam ist das Spiel mit der Sprache, mit der Stimme und mit dem Publikum. Wer schon einen Vollblut-Slammer erlebt hat, wie er seinen Text nicht nur vorliest sondern vorlebt, mit seinem ganzen Körper den Text ist, wird wohl zugeben, dass dies eine Kunst ist. Ob diese Kunst dann auch Literatur genannt werden darf, darüber sollen sich andere die Köpfe einschlagen.

Und man kann sogar noch weiter gehen und den Kunstbegriff noch mehr strapazieren. Die Gestaltung und Organisation eines Slams ist an sich schon ein kunstvoller Prozess. Lokalität, Moderation, Rahmenprogramm und Gast-Slammer müssen ausgewählt werden, der Abstimmungs- und Auslosungsmodus muss bestimmt werden und dann natürlich noch die ganze Promotion. Alles Elemente, die komponiert werden müssen und die sich auf den Abend als Erlebnis auswirken. „Event-Management nennt man das“, werden jetzt wohl Kritiker meinen, „und dafür gibt’s ja Kurse in der Migros-Klubschule.“ Mag wohl sein. Aber die Aufgaben eines Slam-Masters, der für die Veranstaltung verantwortlich ist, gehen doch noch weiter: Oft ist er auch Gastgeber, Betreuer und als Slam-Philosoph auch mitbeteiligt an der Entwicklung der Szene und damit der Kunst selbst. Fast ein Kurator, fast ein Manager aber nicht nur, Slam-Master sind in erster Linie Idealisten für die Sache Poetry Slam.

Da liegt vielleicht das, was immer noch besser als Kunst ist: Poetry Slam lässt sich nicht (und hoffen wir nie) verwalten und steuern oder gar als besser verkaufen als er ist. Ein Poetry Slam ist immer so gut, wie er an diesem Moment ist, wie es das Publikum findet und wie es dies zum Ausdruck bringt.

Und sollte da einer kommen und nicht zufrieden sein, darf er gerne auf die Bühne kommen und es besser machen. Poetry Slam grenzt nicht aus. Und klammert sich schon gar nicht an den Anspruch Kunst zu sein. Denn das einzige was Slammer wollen ist Respekt.