Michael Kimmelman of The New York Times reports that "Robert Rauschenberg, the irrepressibly prolific American artist who time and again reshaped art in the 20th century, died on Monday night at his home on Captiva Island, Fla. He was 82.
The cause was heart failure, said Arne Glimcher, chairman of PaceWildenstein, the Manhattan gallery that represents Mr. Rauschenberg.
Mr. Rauschenberg's work gave new meaning to sculpture. "Canyon," for instance, consisted of a stuffed bald eagle attached to a canvas. "Monogram" was a stuffed goat girdled by a tire atop a painted panel. "Bed" entailed a quilt, sheet and pillow, slathered with paint, as if soaked in blood, framed on the wall. All became icons of postwar modernism.
A painter, photographer, printmaker, choreographer, onstage performer, set designer and, in later years, even a composer, Mr. Rauschenberg defied the traditional idea that an artist stick to one medium or style. He pushed, prodded and sometimes reconceived all the mediums in which he worked.
Building on the legacies of Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, Joseph Cornell and others, he helped obscure the lines between painting and sculpture, painting and photography, photography and printmaking, sculpture and photography, sculpture and dance, sculpture and technology, technology and performance art -- not to mention between art and life.
Mr. Rauschenberg was also instrumental in pushing American art onward from Abstract Expressionism, the dominant movement when he emerged, during the early 1950s. He became a transformative link between artists like Jackson Pollock and Willem de Kooning and those who came next, artists identified with Pop, Conceptualism, Happenings, Process Art and other new kinds of art in which he played a signal role.
No American artist, Jasper Johns once said, invented more than Mr. Rauschenberg. Mr. Johns, John Cage, Merce Cunningham and Mr. Rauschenberg, without sharing exactly the same point of view, collectively defined this new era of experimentation in American culture."
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15 comments:
Und um unser Gespräch über Art/Life und Kunstbegriff --- hier ist ein Künstler, der auch ein guter Vorbild ist, und auch wie Beuys zur Zeit etwa verpönt ist, obwohl alle klauen (oder "lernen") von ihm ständig zur zeit. Polke ist gut, aber wirklich alles kommt aus Rauschenberg, was niemand erwähnt, usw. Und dazu hat Rauschenberg ein Sinn für Humor und war ein Weltverbesserer aber anti-utopisch.
Um für Deutschland zu sprechen: Polke ist dort bekannter. Mir schien immer schon, dass Rauschenberg viel mehr ein amerikanischer Künstler war. Das macht es dann auch leichter, ihn zu kopieren, denn er ist ja weit weg.
In jedem Fall: Wir verlieren einen Meister seines Faches. Schade.
Das ist wahr, wahrscheinlich, unter neuere Deutsche Sammler und Schüler, aber Rauschenberg ist eigentlich schon WELTbekannt, nicht nur USA, --- grosse Euro-Preisen; Venig, verkauft verrücckt viel in Europa, und so weiter. Das ist eher eine Frage der deutsche Nationismus, denke ich, mindestens lange in the History Books, Vater von Pop Art (was Polke und Richter dann in der späteren Phasen mitgemacht haben).
Ich glaube eher es ist auch eine Frage der Kultur- Amnesie unter den trendige Sammler und Schüler (und hip-artists aus allen Länder). Dazu waren die letzte Werkgruppen von Rauschenberg ein Bisschen schon zu "Assitenten-schwer" ---- teure Matierial usw .--- vielleicht wegen seines Gehirnschlag, aber auch ein Bisschen "ich habe jetzt viel Geld" ausdruckend. Ich find, übrigens, Polke ganz toll --- als logisch und freche Erweiterung von Rauschenberg. Ich bein einfach dagegen, dass er und viele Montagisten-Maler ganz klar aus Rauschenberg stammen (und Polke gibt es freizug zu!), aber die Kuratoren und Kritiker wissen so weenig, oder wollen so wenig wissen, dass die es nie bemerken, auch vielleicht wegen Commerce and Consensus, um "ihre" junge Künstler eher als "Genie" zu bezeichnen --- noch einmal diese schleichende Mystifizierung wegen Ingnoranz, dass du schon immer ganz richtig kritisiert hast. (Auch indirekt aus Rauschenberg --- Bob war ein grosses Einfluss auf James Rosenquist, und fast jeder Neo-Conceptual Künstler heutzutag "malt" collage Bilder (eig, gemalt von Assistenten) in ein Photoshop-Photorealismus, was von Rosenquist nachgeschlagen ist.
He changed everything -- bless him , may he rest in peace.
Among his most famous works was 1955's Bed, created after he woke up in the mood to paint but had no money for a canvas.
His solution was to take the quilt off his bed and use paint, toothpaste and fingernail polish instead.
Time magazine art critic Robert Hughes called Rauschenberg “a protean genius who showed ...that all of life could be open to art. ... Rauschenberg didn’t give a fig for consistency, or curating his reputation; his taste was always facile, omnivorous, and hit-or-miss, yet he had a bigness of soul and a richness of temperament that recalled Walt Whitman.”
And don't forget that in recent years Rauschenberg founded the organization Change Inc., which helps struggling artists pay medical bills.
You can take action by learning more about the Bob Rauschenberg Center for Living, a health center in Fort Myers, FL dedicated to saving lives from HIV/AIDS in Southwest Florida.
I am extremely saddened that one of my favorite artists of all time died. Robert Rauschenberg was a pioneer, a visionary, and one of the greatest artists of the last decade. Throughout his years, Rauchenberg pushed the definition art and blurred the lines of the categories that separated painting, sculpture, and dance. In memoriam, take some time and check out his prolific body of work that spans over 60 years.
Jonathan Jones in the Guardian England:
"Mourning Robert Rauschenberg"
Robert Rauschenberg's nuanced and painterly work anticipated much of what was to come. His death is a truly sad event for the art world
May 14, 2008 12:15 PM
Robert Rauschenberg
One of our greatest artists ...
Robert Rauschenberg is dead. That's a much sadder thought than I would have expected. He was 82, after all. His most important work as an artist was done in the 1950s and 60s; for a long time he had been essentially a figure of respect rather than influence. But Robert Rauschenberg is dead, and there is a great deal to mourn.
When I look at Rauschenberg's art I feel l like a traveller getting a glimpse of the road not taken. He discovered a way of making art that was richer, meaning more personal, literate, honest and alive, than many of the movements and strategies that came pell-mell in its wake. He opened up a path of such nuance and subtlety that it was inevitably ignored by brasher imitators - not just ignored but historically buried. Rauschenberg is an awkward fact in the art history of the last 60 years. According to the myth of progress that we still consciously or unconsciously apply to art, Rauschenberg's role in the 1950s, together with his friends Cy Twombly and Jasper Johns, was to question the sublime grandeur of Abstract Expressionist painting, to introduce everyday objects into art, and so pave the way for the Pop generation that rapidly followed in the early 1960s. But this hasty version of art history in which Rauschenberg was no more than a "pop art pioneer" leaves out everything that matters.
The real story goes more like this. In America in the 1940s, for reasons ranging from the influence of European modernists living in New York during the Second World War, to ambitious gallerists and collectors, to the far more significant underlying forces of growing imperial power, the shock of the Nazi Holocaust, the spectre of the Hiroshima bomb and the awareness that Europe might be culturally exhausted, there was an artistic revolution. Jackson Pollock led a breakthrough by abstract painters into the public eye: and it was while these Abstract Expressionists were establishing themselves that Rauschenberg started making his radical art that poised itself between the poesie of Abstract Expressionist painting and the blunt materials of everyday American life.
Rauschenberg's Combines tantalisingly mingle sensual, painterly painting with stuff collaged and assembled from found detritus. In his great 1955 work Rebus, he includes a political poster, a page from a comic, and a photo of runners - and yet these items form part of a complex and ultimately mysterious language, a language the work invents. We realise we are looking at some kind of diary. There's a print of Botticelli's Venus; a drawing by Cy Twombly; red paint spilling like blood; rough squares and smears of colour over the line of photographic images. It is painterly and yet bluntly real. "Painting relates to both art and life", as Rauschenberg eloquently put it. "Neither can be made. I try to act in that gap between the two."
It's fairly obvious why it is wrong to see him just as a forerunner of pop art. ... That's why it seems a road not taken - because its liberating intricacies were never really followed up.
Looking at Rauschenberg you constantly see the most amazing anticipations of art today - he was also a pioneer of performance - and an attitude that's utterly of our time: he believed anything could be art, and he really does make art and life seem continuous. Yet with this bold radicalism there is a serious intellectual reach and a complexity that makes you think of late Cézanne, of Picasso and Braque. Robert Rauschenberg is dead. We've lost one of the greatest artists of the modern world.
Von Robert Rauschenberg habe ich gelernt, dass man Macht über die Zeit haben kann. Man kann als Mensch der Zeit voraus sein, Zeit erfinden. Das ist die Aufgabe des Künstlers: Zeit erfinden.
UTE THON schreibt,
EIN TITAN TRITT AB
Es ist immer wieder ein Schock, wenn ein großer Künstler plötzlich stirbt. Doch bei Robert Rauschenberg mischt sich in die Trauer um den Verlust eines der wichtigsten Künstler der Gegenwartskunst auch ein bisschen Unglauben. Hat uns Bob, wie seine Freunde ihn nannten, nicht schon öfter an der Nase herum geführt?
Er hat Hurrikans überlebt und Schlaganfälle, das gleißende Rampenlicht, Mega-Ruhm und vorübergehende Ignoranz. Als vor zwei Jahren seine große Ausstellung "Combines" mit den berühmten Assemblage-Arbeiten der fünfziger und sechziger Jahre in den USA und Europa tourte, wurde er noch einmal gefeiert wie ein Weltstar. Und obwohl er inzwischen an den Rollstuhl gefesselt war und durch einen Schlaganfall halbseitig gelähmt, ließ er es sich nicht nehmen, zu den Eröffnungen nach Los Angeles, Paris und Stockholm höchstpersönlich anzureisen.
"Die Presse reagierte so, als hätte ich ihr etwas vorenthalten", sagte Rauschenberg damals im art-Gespräch – einem seiner letzten Interviews, wie man jetzt wohl annehmen muss. "Vor 50 Jahren, als diese Arbeiten entstanden, konnte ich damit nicht mal meine Miete begleichen." Das hat Rauschenberg aber nie vom Arbeiten abgehalten. In seiner über 60 Jahre umspannenden Karriere hat er weit über 6000 Werke geschaffen, Editionen und Drucke nicht mitgerechnet. Und er hat die Kunstwelt immer wieder revolutioniert. So etwa Anfang der fünfziger Jahre, als er rein weiße und dann monochrom-schwarze Bilder malte. Berühmt wurde der in Texas geborene Künstler mit seinen dreidimensionalen Assemblage-Bildern, für die er Fundstücke wie einen ausgestopften Seeadler ("Canyon", 1959) oder eine Angora-Ziege ("Monogram") auf Bildkörper monitierte. Gleichzeitig experimentierte er mit Fotocollagen, Siebdruck und skulpturalen Objekten. 1964 gewann er als erster amerikanischer Künstler den großen Preis der Venedig-Biennale.
Anstatt sich auf diesem Ruhm auszuruhen und eine florierende Bilderwerkstatt aufzubauen, wandte er sich von dem bekannten Terrain ab und stürzte sich in Kooperationen mit Theater und Balett. John Cage und Merce Cunningham gehörten zu seinen engsten Freunden und Weggefährten. Mit ihnen erarbeitete er auch eine Choreographie, bei der er 30 Schildkröten mit Taschenlampen auf dem Panzer auf der dunklen Bühne eine Art Schildkrötenballett aufführen ließ.
Anfang der siebziger Jahre verließ Rauschenberg New York und siedelte sich weit abseits der boomenden Kunstmetropole auf Captiva Island, einer Halbinsel in Florida an. Dort hat er ungeachtet des an- und abflauenden Hypes um seine Person kontinuierlich weitergearbeitet – auch als er durch Krankheit zunehmend unbeweglicher wurde. Auf die Frage, ob er manchmal an den Tod denkt, sagte er im art-Interview: "Nein. Ich arbeite jeden Tag, das hält mich am Leben. Das hat mich auch durchhalten lassen, als wir letztes Jahr eine Serie schlimmer Hurrikane in Florida hatten. Fünf tobten innerhalb kurzer Zeit über unsere Insel und zerstörten die Wohnhäuser, deckten die Dächer ab, rissen die Fenster weg, entwurzelten Bäume. Ich saß den Sturm in meinem Atelier aus."
Wir müssen es wohl glauben, dass er diesen letzten Lebenssturm nicht mehr aussitzen konnte, sondern diesmal wirklich für immer mit fortgerissen wurde. Zurück bleibt sein unsagbar vielschichtiges Werk, das noch Generationen von Künstlern beeinflussen wird. Bye-bye, Bob, wir werden dich vermissen.
(art-magazin.de/)
"Rauschenberg: Das Leben ist viel zu bunt für großes Pathos"
http://www.art-magazin.de/div/heftsuche/Rauschenberg/1979/2008/0/OGOWTEGOTTSOPPOGOSPWHGWHERPGECESHWCA/Das-Leben-ist-viel-zu-bunt-f%FCr-gro%DFes-Pathos
This is a great portrait. The effect of Rauschenberg’s radiant smile and crippled right hand is not unlike the luminous smile and crippled right hand of Gustav Klimt’s Adèle Bloch-Bauer I. In both portraits it is the contrast between the expression of joy and love, and the affirmation of the deformity, that it so moving. Standing in front of the Klimt is a moment of pure joy, and from the photographs that have captured the exuberance of Rauschenberg, the same must have been true to all of those who knew him.
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